viernes 20 de enero de 2012

Ivan Goncharov: Oblomov

Ivan Goncharov (1812-1891) es un gran desconocido en Occidente. Sin embargo, su gran novela "Oblomov" (1858) es una de las obras más representativas de la novela rusa y para Lev Tolstoi una obra maestra.

Goncharov nació en una familia acomodada de terratenientes y recibió una educación basada en la comodidad y en la indolencia en una aldea lejana. Cuando viaja a Moscú donde se instala, conoce una Rusia diferente activa, abierta y dinámica. La publicación de Oblomov le abre las puertas de la fama pero, después de escribir su tercera y última novela, cae en un estado de letargo que le hará permanecer inactivo los veinte últimos años de su vida. Su estado mental se va deteriorando progresivamente y al final de su vida acusaba a Ivan Turgueneiev de robarle los argumentos de sus novelas.

Oblomov es una novela donde Goncharov vuelca sus vivencias y frustraciones en un personaje criado con mimos y cuidados en una aldea y que es incapaz de desarrollar ningún proyecto vital. Dibuja con trazo fino la abulia y la falta de ilusión, el hastío vital. Oblomov (una derivación del ruso "oblomok": cascote, ruina) representa además el espíritu de la Rusia tradicional, opuesta a lo moderno que viene de Europa. Frente al protagonista, nos presenta a su amigo Stholz (derivación del alemán "Stolz": orgulloso) que representa el espíritu de la Rusia moderna, que considera el apego a la tradición una rémora para el progreso.

Este debate entre lo moderno y lo tradicional, estuvo vigente a lo largo del Siglo XIX y en sucesivos reinados, se fue oscilando de un lado hacia el otro.

Oblomov ha trascendido la literatura y, hoy en día, se utiliza este término para definir la pereza. El personaje fue probablemente fuente de inspiración para El Idiota de Dostoievski.

miércoles 11 de enero de 2012

Música y cine (III): What a wonderful world?

La banda sonora de una película ofrece diversas connotaciones emocionales por sí misma, pero su verdadero sentido reside en la relación con la imagen. Son muchos los matices de esta convivencia.

Se tiende a pensar que, en líneas generales, la música glosa a la imagen, la completa, la explica, la define. Sin embargo, hay muchos casos en los que se crea una disonancia entre la música y la imagen de manera que la fuerza reside en el contraste y no en el refuerzo de la expresión.

Propongo tres ejemplos de este contraste. El primero de "La Lista de Schindler" (1993):



El segundo es de "Good Morning Vietnam" (1987):



El último es un tributo del ejemplo anterior en "Bowling for Colombine" (2002):



Enlaces relacionados:

Música clásica y cine (II): Compositores soviéticos
Música clásica y cine

viernes 6 de enero de 2012

¿Qué compositor ha sido el más interpretado de 2011?

Por segundo año consecutivo, www.bachtrack.com edita un estudio con todos los datos relevantes de los conciertos que se han realizado en 2011 en todo el mundo. El estudio no es exhaustivo pero incluye 12.055 conciertos y 5.547 representaciones de ópera con lo que los resultados son bastante completos.

Los compositores interpretados en mayor número de conciertos han sido:

1. Beethoven - 1,566
2. Mozart - 1,403
3. Bach - 1,063
4. Brahms - 983
5. Schubert - 759
6. Liszt - 700
7. Tchaikovsky - 665
8. Haydn - 639
9. Mahler - 623
10. Handel - 608

Este año han sido los aniversarios de Liszt y Mahler. Un dato muy interesante es que el 57% de los conciertos de este año incluían por lo menos una obra de alguno de estos diez compositores.

Otro dato muy interesante es el de las obras más interpretadas este año:

1. Messiah (Handel) - 121
2. Sinfonía no. 4 (Bruckner) - 88
3. Sinfonía no. 7 (Beethoven) - 88
4. Concierto para piano no. 1 (Liszt) - 87
5. Sinfonía no. 5 (Beethoven) - 85
6. Sinfonía no. 3 "Eroica" (Beethoven) - 80
7. Sinfonía no. 7 (Bruckner) - 79
8. Concierto para violín (Chaikovski) - 77
9. Cuadros de una exposición (Mussorgsky) - 75
10. Sinfonía no. 1 (Brahms) - 70

En estas estadísticas, salvo la grata sorpresa de encontrar dos obras de Bruckner en los primeros puestos, no se observa nada sorprendente ni ninguna tendencia específica: se siguen interpretando los grandes clásicos una y otra vez y se sigue programando el mismo repertorio de siempre. Los Aniversarios siguen en auge y crean un aura con fecha de caducidad de un año.

Sería interesante saber si es el público el que demanda una y otra vez los mismos platos o son los cocineros los que andan faltos de ideas. Por si acaso, y en previsión de que en el 2012 se puedan hartar de nuevo de "Mesías", les incluyo una pequeña obrita de un contemporáneo de Händel que no aparece y dudo que aparezca jamás en las listas:





Purcell: Dido y Eneas (Lamento de Dido)

domingo 18 de diciembre de 2011

Nuevas formas de espectáculo en la música clásica

El espectáculo ha sido siempre una de las claves de la música clásica: desde Farinelli, pasando por los grandes solistas del siglo XIX (Paganini, Chopin, Liszt) y terminando por los grandes maestros del siglo XX (Toscanini, Fürtwangler, Karajan) siempre ha habido un elemento extramusical interactuando con la estética musical en sí.

Stravinsky comienza su célebre poética musical (1940) con su célebre declaración de que la música es tan solo un espectáculo. Independientemente de lo acertado que estuviese, indica la evolución de los conceptos musicales desde la idea de la música como expresión absoluta de la Belleza - idea que se repite desde Kant hasta Schopenhauer - hasta la idea de la música como fenómeno.

En los últimos años, la idea de espectáculo ha tomado prestados muchos elementos del mundo del pop/rock. Ya no es solo que la imagen física del artista sea un elemento que pondera muchas veces por encima de aspectos interpretativos, sino que en el transcurso del concierto hay guiños al público, existe un guión cuidadosamente planeado para captar la atención del público.

En este sentido, podemos incluir los conciertos paticipativos de La Caixa - donde parte del público canta con la orquesta - o los Proms de Londres - con un alto grado de interactividad de los espectadores.

Desde el lado del artista, cada vez se buscan nuevas fórmulas para crear un elemento diferenciador. Recientemente en la Orquesta Nacional de España, Patricia Petibon cantaba una propina sentada sobre el borde del escenario mientras se quedaba dormida al son del "Ninge, ninge" de Montsalvatge. Pero como una imagen vale más que mil explicaciones, aquí van algunos ejemplos de las nuevas formas de espectáculo:

Gustavo Dudamel y la Orquesta Simón Bolivar interpretando el "Mambo" de West Side Story de Bernstein




Osvaldo Golijov: La Pasión según San Marcos



Lang Lang y su padre tocan de propina en un concierto el "Caballo loco" con un instrumento popular chino.



Gabriela Montero improvisa al final de cada concierto sobre un tema a petición del público. Esta vez sobre las "Variaciones Goldberg" de Bach.

miércoles 7 de diciembre de 2011

Pablo Neruda: Walking Around

Sucede que me canso de ser hombre.
Sucede que entro en las sastrerías y en los cines
marchito, impenetrable, como un cisne de fieltro
navegando en un agua de origen y ceniza.

El olor de las peluquerías me hace llorar a gritos.
Sólo quiero un descanso de piedras o de lana,
sólo quiero no ver establecimientos ni jardines,
ni mercaderías, ni anteojos, ni ascensores.

Sucede que me canso de mis pies y mis uñas
y mi pelo y mi sombra.
Sucede que me canso de ser hombre.

Sin embargo sería delicioso
asustar a un notario con un lirio cortado
o dar muerte a una monja con un golpe de oreja.
Sería bello
ir por las calles con un cuchillo verde
y dando gritos hasta morir de frío.

No quiero seguir siendo raíz en las tinieblas,
vacilante, extendido, tiritando de sueño,
hacia abajo, en las tripas moradas de la tierra,
absorbiendo y pensando, comiendo cada día.

No quiero para mí tantas desgracias.
no quiero continuar de raíz y de tumba,
de subterráneo solo, de bodega con muertos,
aterido, muriéndome de pena.

Por eso el día lunes arde como el petróleo
cuando me ve llegar con mi cara de cárcel,
y aúlla en su transcurso como una rueda herida,
y da pasos de sangre caliente hacia la noche.

Y me empuja a ciertos rincones, a ciertas casas húmedas,
a hospitales donde los huesos salen por la ventana,
a ciertas zapaterías con olor a vinagre,
a calles espantosas como grietas.

Hay pájaros de color de azufre y horribles intestinos
colgando de las puertas de las casas que odio,
hay dentaduras olvidadas en una cafetera,
hay espejos
que debieran haber llorado de vergüenza y espanto,
hay paraguas en todas partes, y venenos, y ombligos.

Yo paseo con calma, con ojos, con zapatos,
con furia, con olvido,
paso, cruzo oficinas y tiendas de ortopedia,
y patios donde hay ropas colgadas de un alambre:
calzoncillos, toallas y camisas que lloran
lentas lágrimas sucias.


Walking Around pertenece a la Segunda Parte de Residencia en la Tierra escrito por Pablo Neruda entre 1931-1935 y pertenece a su segunda etapa: la "poesía impura" muy cercana al surrealismo de Lorca (Poeta en Nueva York) y Alberti (Sobre los Ángeles).

Pablo Neruda escribió sus grandes poemas modernistas en una época (1923-1929) en la que el modernismo ya estaba declinando. Del mismo modo, empezó a adoptar el lenguaje de las vanguardias en el momento (1930-1939) en el que este lenguaje empezaba a declinar y ya los poetas empezaban a buscar temas de carácter social.

"Walking Around" toma solo algunos elementos superficiales del surrealismo (imágenes vertiginosas, asociaciones imposibles) pero tiene una línea argumental muy clara y cada una de las metáforas está pensada y tiene una razón de ser muy clara.

La temática del poema parte del tópico "menosprecio de corte y alabanza de aldea". El poeta se ahoga en la ciudad y en todo lo que contiene. En un lenguaje muy diferente, no se aleja mucho de los versos de Martí en "Amor de ciudad grande".

Ya el título es una declaración de intenciones: "Walking around", en inglés, nos transporta a una ciudad americana de principio de siglo donde el poeta vaga sin rumbo.

A lo largo del poema, encontramos dos campos semánticos opuestos: el ámbito de la ciudad y el ámbito de la naturaleza. Todos los sustantivos relacionados con el primero tienen una connotación negativa: "sastrerías, cines... marchito, impenetrable" / "peluquería...llorar, gritos"/ "establecimientos, jardines, mercaderías, anteojos, ascensores" / "notario, monja, hospitales, lunes, petróleo, cárcel...". Si quitamos todas las asociaciones surrealistas quedaría como una mera descripción del paisaje de una ciudad.

Por el contrario, todos los sustantivos asociados a la naturaleza son un pequeño oasis en este mar de amargura: "descanso de piedras o de lana", "asustar con un lirio cortado".

Sin embargo, la riqueza de este poema está en la adjetivación, original y sorprendente aunque de un pesimismo terrible: lentas lágrimas sucias, cuchillo verde, tripas moradas, calzoncillos, toallas y camisas que lloran.

En defintiva, es un poema sobre la decadencia del espíritu humano marchito en las ciudades donde el ser humano se ahoga y se asfixia.

jueves 17 de noviembre de 2011

Nuevas tendencias en la ópera

Toda manifestación artística es, en cierta medida, heredera de su tiempo y aunque, la música clásica vive un periodo de incertidumbre, la ópera se va adaptando a la temática propia de su tiempo.

Hablemos de nuestros expatriados. Ricardo Llorca, compositor español que vive desde hace años en Nueva York enseñando composición en la Julliard School acaba de presentar en CD su última ópera "Las Horas Vacías" basada en las relaciones sociales a través de internet. Muy diferente es la ópera de Héctor Parra, otro eminente exiliado que trabaja en el IRCAM en París, "Hypermusic Prologue" que analiza las relaciones sonoras desde un punto de vista científico a través de las teorías de cuerdas y la idea de la quinta dimensión.

Fuera de nuestras fronteras, hay dos óperas que han sido un bombazo en Londres: "Anne Nicole Smith" de Turnage sobre la actriz porno que se casó con un magnate octogenario y "Two Boys" de Nico Muhly que ahonda en un caso real de pedofilia asociada a internet.

En fin, ya no hay Normas, ni Cármenes, ni Aidas... Los héroes de hoy en día bucean por la basura del ciberespacio, se aburren, están solos y renuncian a cualquier rasgo de nobleza.

domingo 6 de noviembre de 2011

Bach después de Bach

Johan Sebastian Bach (1685-1750) es probablemente el músico que ha dejado una impronta de mayor calado a lo largo de la historia de la música. A pesar de que, tras su muerte, su obra quedó un poco arrinconada, a partir del redescubrimiento llevado a cabo por Félix Mendelssohn, Bach ha sido una referencia constante para músicos e historiadores. Como el ámbito de estudio es, ciertamente, amplio, vamos a hablar tan solo de la influencia que Bach ha tenido en compositores posteriores a él.


El primer ámbito de influencia es a través de las formas musicales. Son numerosos los compositores que se han inspirado en formas que Bach hizo muy populares. El ejemplo más característico son los 48 preludios y fugas del Clave bien temperado.


No es una idea nueva de Bach el componer una serie de piezas en todas las tonalidades mayores y menores; tenemos ejemplos mucho más tempranos como los Preludios de Ileborgh (1448), los Tientos de Alonso Mudarra (1546), las Intonazione de los hermanos Gabrielli (1593) o las Tocattas de Frescobaldi (1615). Sin embargo, ha sido la obra de Bach la que ha tenido mayor influencia sobre las sucesivas series de preludios y fugas:


Preludios y fugas op.35 y op. 37 de Mendelssohn (1837)


24 preludios de Chopin (1839)


Preludio y fuga sobre el nombre de BACH de Liszt (1855)


2 preludios y fuga de Brahms (1857)


Preludio, coral y fuga de Franck (1884)


3 Preludios y fugas, op.99 y 109 de Saint-Saëns (1894 y 1898)


Preludio, arioso et fughetta sur le nom de BACH de Honneger (1932)


Ludus Tonales de Hindemith (1942)


Preludio, fuga y Riff de Bernstein (1949)


24 Preludios y fugas de Shostakovich (1951)




Video - Chopin: 24 Preludios (preludios finales, especialmente el nº 24 a partir del minuto 7')



Además de las obras inspiradas en el Clave hay un espacio destacado para las Pasiones que era un género local del barroco alemán y que en el siglo pasado tuvo un resurgimiento inspirado en las formas que hizo popular Bach: La Pasión según San Lucas de Penderecki, la Pasión según San Juan de Gubaidulina, La Pasión según San Marcos de Golijov (estás dos últimas compuestas para conmemorar el 250 Aniversario de la muerte de Bach).



Por último, hay numerosas obras inspiradas en formas barrocas inspiradas en Bach como pueden ser la Chacona de la Cuarta Sinfonía de Brahms (inspirada probablemente en la Chacona de la Partita nº 2 para violín solo) o las Bachianas Brasileiras de Villa-Lobos.





(Video: Chacona de la Cuarta Sinfonía de Brahms)



Otro ámbito de influencia es el conocido tema B-A-C-H que en notación inglesa corresponde a las notas si bemol, la, do, si natural. Este tema fue utilizado por el mismo Johan Sebastian Bach en varias obras (la más famosa en el último Contrapunctus del Arte de la Fuga) y ha sido utilizado en numerosas obras dentro de la música clásica como homenaje al compositor destacando:



6 fugas sobre el nombre de BACH de Schumann (1845)


Variaciones sobre el nombre de BACH de Rimsky-Korsakov (1878)


Fantasía y Fuga sobre el tema BACH de Reger(1900)


Fantasía Contrapuntística de Busoni (1910)


Variaciones para Orquesta de Schönberg (1938)


Sonata Quasi una Fantasia de Schnittke (1981)


Además de todo esto, las melodías de Bach - especialmente las de los corales - que se han utilizado en obras dentro de la música clásica son incontables. Baste esta pequeña relación como un pequeño ejemplo de la influencia de Bach en el ámbito de la música clásica.