lunes 31 de diciembre de 2007

Hay un balcón en Viena

Aquí va otro cuento rescatado del baúl de los recuerdos:

Hay un balcón en Viena...

Hay un balcón en Viena que nunca permanece cerrado. Algunos días de invierno, cuando el frío y la nieve llenan la casa de viento, como si se estremeciese involuntariamente se entorna un poco pero nunca llega a cerrarse. Por las noches, entre las una y las tres, cuando todo se queda en silencio y tan solo interrumpen los sueños las campanas de San Esteban, a veces, un transeúnte perdido ve una mano pálida que se asoma al balcón y en seguida se esconde.

Ella ha vuelto a casa. Es tarde. Después de un duro día de trabajo comienza el ritual de los hábitos. Se sienta sobre la alfombra de esparto y deja los ojos en blanco. Medita veinte minutos y sale a la terraza. Desde allí se contemplan todos los tejados de Viena. La ciudad duerme, duerme, duerme…

Está triste como siempre. Una noche de verano, su hermano pequeño se fue de excursión con unos amigos al lago Constanza. Dicen que se emborracharon en una fiesta en un ferry y después ya nadie recuerda nada. A la mañana siguiente, su hermano había desparecido y nunca más nadie supo de él. Aunque dragaron el lago, nunca encontraron su cuerpo. Por eso cada noche, sueña que tal vez volverá su hermano. Pero su hermano no llega y hasta los sueños más bellos tienen impresa su fecha de caducidad.

Siempre está triste. Una noche, de un día cualquiera, decidió que, tal vez, su vida era demasiado feliz. Dejó atrás un brillante trabajo en el Parlamento y colgó en el armario de los recuerdos sus trajes de diseño y las sonrisas muertas. Fundó un café en el centro y lo adornó con poetas, músicos de jazz y gentes dela bohemia. Lo único que le quedó de su antigua vida fue la buhardilla de Johannesgasse desde donde cada noche podía contemplar los tejados de la ciudad.

Después de dejar atrás su antigua vida, decidió que solo necesitaba a alguien a su lado para ser feliz.

Conoció a mucha gente de la vida, pero nadie le supo enamorar. Entonces se fue haciendo solitaria. Los domingos por la tarde, cuando todo el mundo se encierra en sus madrigueras, paseaba por el Cementerio Central buscando consuelos de piedra. Y su corazón se fue haciendo más duro y se alma se iba llenando de pena. Un día, pensó que había llegado el Esperado. Conoció a un pintor genovés que llenó su cabeza de sueños.

Y ahora ya lo tenía todo: el trabajo que quería, el hombre adorado y la casa más bonita de todo Viena. Sin embargo, no era feliz. Por eso cada noche, cuando todo el mundo se entrega al sueño y al olvido y la ciudad se llena de silencios, escarba las sombras del pasado y busca palabras que le traigan de vuelta los recuerdos perdidos...

Hay un balcón en Viena que nunca permanece cerrado. Y allí cada noche, la alegría y la tristeza juegan una interminable partida de ajedrez.

domingo 30 de diciembre de 2007

La Insignia

Como tengo un poco de resaca y la creatividad por los suelos, os adjunto un cuento que escribí hace tiempo. Espero que os guste:

La Insignia

“Este discurso va dirigido a vosotros, mediocres de la tierra” dijo Dexter Nie, ajustándose la pajarita roja que se había comprado expresamente para la ocasión. “Yo también he sido uno de vosotros”, continuó, buscando en el rostro de los espectadores el efecto innovador y destructor de sus palabras.

“Yo también he tenido una familia, un perro, una suegra, una tostadora y un montón de sueños vanos guardados en los trasteros del olvido. Mi vida, realmente comenzó un buen día de diciembre. Estaba paseando como todos los días a las seis en punto de la tarde a mi perro y pensaba en la manera de solucionar un embrollo en que me había metido mi jefe. Estaba mareado y la cabeza me daba vueltas. Mi puesto de trabajo y mi futuro dependían de mi capacidad de responder a los problemas surgidos en la cadena de producción. Y ustedes se preguntarán… ¿qué culpa tenía yo de que los zoquetes de la cadena de producción no supieran manejar la fresadora?”. Calló unos instantes como si aguardara que alguien del público le diera la razón ante lo comedido de sus palabras. Pero nadie respondió. Encogió los hombros y continuó:

“Como iba diciendo, aquel día paseaba al perro pensando en mis problemas. En un determinado momento dejé de estar dentro de mí. No sé muy bien cómo explicarlo pero es como si yo me estuviera viendo a mí mismo pasear por la calle con el perro. “¿Qué hace ese hombre aquí?” me preguntaba. “¡Bah! No es más que un hombre diminuto que pasea a su perro pensando que sus diminutos problemas ocupan el centro del Universo”. ¿Acaso nunca han pensado ustedes eso de otras personas?, pero ¿qué pasa cuándo ese Ser diminuto es uno mismo?.

En aquel momento recordé aquellos años de mi vida en que luchaba por hacer algo grande, por no ser uno de tantos.. Había despreciado a mi padre por ser un hombre mediocre y sin ambiciones y ahora me daba cuenta de que ese sería mi destino para siempre. ¿Inevitablemente?

No. Dejé atrás todo mi pasado: mi trabajo, mi mujer y mis hijos y entré en la Universidad. Sí. Ya sé que objetarán que dejar el trabajo era más que suficiente, sin embargo, mis ambiciones eran tantas que para realizar mis sueños necesitaba ese tiempo y esa libertad de espíritu que mi familia me había robado. Es triste pensarlo, pero es así: la familia es un freno para el genio. Agosta la creatividad y nos sume poco a poco en el pozo de la medianía.

Ahora vivo solo, dedicado a mi gran obra. Nada me distrae, no siento frío ni calor, no gozo ni padezco. Toda mi vida gira en torno a ella y a ella he dedicado mi vida. He estudiado mucho y he trabajado mucho para llegar a escribir los libros que tanto han dado que hablar al mundo.

Por eso este es el día más feliz de mi vida… después de muchos años se reconoce mi valía. Ya no estoy al otro lado. Ya no me siento ahí donde están ustedes y admiro al hombre que enfrente mío tiene la capacidad con su sabiduría de hechizar al auditorio. En mis libros tenéis un ejemplo a seguir. Yo también he sido uno de vosotros. Comprendo lo que sentís cuando llegáis a casa y no os queda más consuelo que el muro donde se estrellan vuestros sueños. No perdáis vuestra vida en el laberinto de la monotonía y dad lo mejor de vosotros a los demás. El mundo no espera menos de vosotros”.

Calló y juntó las manos como si elevara una plegaria al cielo. El auditorio estalló en aplausos. La mayoría de los asistentes estaba conmocionado por aquel discurso tan brillante y sentido.

Cuando terminó el ágape, el presidente de la Sociedad de Pescadores de Kentucky hizo entrega al doctor Dexter Nie de la insignia de oro y brillantes, máxima insignia de la Federación de Pesca. En los discursos que siguieron a la entrega de la insignia se alabó la profundidad y el alcance de sus conclusiones en las técnicas de pesca de bajura.

sábado 29 de diciembre de 2007

Apreciar la música (I)

En esta pequeña serie, intentaré sentar unos principios básicos para poder apreciar la música. Está destinado para gente sin conocimientos previos de música y con pocas horas de vuelo en este mundo. De la misma manera, agradeceré vuestros comentarios, preguntas y sugerencias al respecto para saber qué os interesa conocer y así saber hacia dónde me puedo dirigir en las sucesivas sesiones.

1. Principios básicos de la interpretación: técnica y expresión

Las dos características fundamentales de la música son la interpretación y la temporalidad. Aunque hay muchas discusiones y opiniones al respecto, podemos decir que la música solo existe propiamente cuando se ejecuta, de manera que entre el objeto artístico y nosotros hay siempre un intermediario. Por esto mismo, la música es un arte que se desarrolla en el tiempo en el que dura la ejecución y solo ese momento.

Partiendo de estas premisas, podemos considerar que la interpretación comprende dos grandes ámbitos: técnica y expresión.
La técnica comprende toda la parte mecánica de la ejecución. A través de una buena técnica, el intérprete debe transcribir de la mejor forma posible lo que hay escrito en la partitura.

Imaginemos a un niño que aprende a leer. Lo primero que tiene que hacer es aprender las reglas con las que se combinan las letras para formar palabras. Una vez que domina todas las sílabas y es capaz de convertirlas en palabras ya sabe leer. Pero de la misma manera que el niño puede aprender a combinar palabras y no saber qué significan, el intérprete puede ser capaz de transcribir perfectamente los sonidos de manera perfecta y seguir sin saber qué quieren decir. De esta parte, del significado, se ocupa la expresión.

Partimos siempre de la base de que un músico profesional siempre está transcribiendo de manera perfecta los sonidos de la partitura cuando en la mayoría de los casos eso no es cierto. Con un poco de experiencia e intuición podremos aprender cuando una nota no está en su sitio, o está descoordinado con el resto de los músicos.

Tened en cuenta una cosa muy importante: un solista importante, un músico famoso es una persona que toca un concierto cada dos o tres días en cualquier parte del mundo. Pasan muchas horas en aviones, lejos de casa y la mayoría de las veces les están molestando con llamadas, entrevistas y actividades varias. Hay muchos días que el intérprete no está en su mejor momento y falla. Y a veces falla mucho. A veces una mala interpretación técnica se compensa con una intensa capacidad expresiva, pero no siempre.
Aquí va un ejemplo de malas transcripciones de una partitura. Es el famosísimo de Florence Foster Jenkins. Su historia es apasionante y merece leerla: (http://es.wikipedia.org/wiki/Florence_Foster_Jenkins)



Otro ejemplo clásico: El Bolero de Ravel

http://www.kovacich.com.ar/grabaciones/solistas/Bolero.mp3

Si uno de los elementos más importantes es la afinación, el otro rasgo esencial a la hora de interpretar una partitura es el ritmo. Normalmente los problemas de ritmo se dan en las grandes orquestas cuando los instrumentos llegan tarde o no están descoordinados.

Fijaos la descoordinación de todos los instrumentos al principio y la desafinación absoluta (el autor de la página dice que la orquesta dicen que es la ¡¡¡Filarmónica de Berlín!!!):

http://www.kovacich.com.ar/grabaciones/solistas/mahler%207%20(Original).mp3

En resumen, partimos de la base de que el músico / orquesta profesional van a hacer una transcripción perfecta de la partitura. Realmente eso no sucede muy a menudo y es fácil ir viendo las pequeñas cosas en las que se van equivocando los intérpretes.

En la próxima sesión hablamos de la expresión.

¿Sabías que la voz el instrumento con más problemas de afinación?. Después de la voz, los instrumentos más difíciles serían los de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) y los de viento metal (trompa, trompeta, trombón y tuba).

¿Sabías que en todos los instrumentos es infinitamente más difícil afinar en las notas agudas que en el resto?

¿Sabías que el piano no tiene problemas con la afinación pero por eso las obras son diabólicamente más rápidas y surge otro problema: el de las notas falsas?

¿Sabías que hace pocos años vino la Filarmónica de Viena con Lorin Maazel a tocar a Madrid y desafinó tanto que el público la abucheó como jamás se había oído en el Auditorio?

miércoles 26 de diciembre de 2007

El Concierto de Año Nuevo

Cuando la gente se entera de que te dedicas al mundo de la música, lo primero por lo que se interesa es por el Concierto de Año Nuevo en Viena y, sobre todo, si puedes conseguir entradas para el concierto. ¡Hala!¡Alegría! Tengo un amigo que se dedica al cine y jamás le he preguntado si puede conseguir entradas para la ceremonia de los Óscars.

El Concierto de Año Nuevo es el espectáculo de música clásica con más demanda de toda la temporada. Para que no haya problema de reventa de entradas el sistema de venta de entradas se realiza por sorteo. Para entrar en el sorteo, hay que inscribirse en la página web de la Filarmónica de Viena (http://www.wienerphilharmoniker.at/) entre el 2 y el 23 de Enero. Aún así, la gente sigue revendiendo sus entradas y se han llegado a pagar 6.000 € por entrada.

La tradición del Concierto de Año Nuevo se remonta a 1939. En plena Guerra Mundial y con Austria anexionada a Alemania, los austriacos convirtieron este concierto en una seña de identidad nacional frente a la anexión alemana. Es por eso que idearon un concierto con música de la familia Strauss que representaba, no solo las raíces austriacas sino también el recuerdo de un pasado glorioso, de tiempos mejores. El promotor de la idea fue el grandísimo director Clemens Krauss que lo dirigió hasta el año de su muerte en 1954 con un lapsus de dos años en el que fue vetado por las tropas aliadas y se le impidió dirigir la orquesta.

A su muerte, tomó el relevo Willi Boskovsky hasta que en 1980 se decidió que cada año dirigiese un director distinto. Aún así, los requisitos para dirigir este concierto han sido muy estrictos y siempre se han escogido directores que habían dirigido regularmente a la orquesta. En estos 20 años la han dirigido batutas como Lorin Maazel (1994, 1996, 1999, 2005), Claudio Abbado (1988, 1991), Herbert von Karajan (1987), Ricardo Muti (1993, 1997, 2000, 2004), Carlos Kleiber (1989, 1992) y Zubin Mehta (1990, 1995, 1998) entre otros.

En el concierto no pueden faltar las bromas , "El Danubio Azul" y siempre se termina con la "Marcha Radetzky" con el público dando palmas. En los últimos años se ha incorporado un ballet que baila en directo desde el Palacio de Schönbrunn.

¿Sabías que a pesar de su fama en vida, Johann Strauss hijo no fue inmediatamente reconocido por la elite cultural vienesa?. La primera vez que la Filarmónica de Viena tocó una pieza suya en temporada fue en 1925, 26 años después de la muerte del compositor.

¿Sabías que el primer concierto monográfco de la familia Strauss tuvo lugar en Salzburgo en 1929?. El director era... Clemens Krauss.

¿Sabías que los dos primeros años (1939 y 1940), el concierto se celebró el 31 de diciembre?

martes 25 de diciembre de 2007

El Auditorio Nacional y la música española

El Auditorio Nacional es, sin duda, el epicentro de la vida musical española. Su acústica es alabada en todo el mundo, sus instalaciones son modernas y funcionales y su programación es comparable con pocos teatros. Sin embargo, el Auditorio ha tenido siempre un poco espíritu de jaimito. La historia comienza en el momento de su construcción: se levanta uno de los muelles de carga más modernos de su tiempo. Ancho, amplio y accesible, podían descargar los instrumentos de las orquestas con suma facilidad. Por desgracia, no se dieron cuenta de que la calle por la que se accede es estrecha y no caben los camiones. No se ha podido utilizar.


Estos últimos meses ha cerrado el Auditorio porque no cumplía las normas de seguridad contra incendios. Para inaugurarlo, la creatividad se multiplica y han decidido crear un Consejo Artístico para el Auditorio Nacional. Esta medida es habitual en los Auditorios que tienen programación propia ya que se necesitan cabezas pensantes que elaboren una programación coherente. Sin embargo, llama la atención en un Auditorio donde jamás ha habido programación propia y se limitaba a alquilar la sala a distintos ciclos más o menos privados.


Por lo que se intuye en la nota de prensa del Ministerio de Cultura, el consejo artístico elaborará una programación propia centrada en la música española e iberoamericana. El presidente del consejo será el compositor Luis de Pablo y el encargado de elaborar la programación el (¡sorpesa!) compositor José Manuel López López. Queda poco claro otra función del Consejo Artístico que consiste en coordinar "en ellas la programación de la Orquesta y Coro Nacionales de España y de la Joven Orquesta, con las de los ciclos especializados como Ibermúsica o Música de Hoy".


No se entiende muy bien si la labor del Consejo se limitará a coordinar que no coincidan las obras programadas en su ciclo con el de Ibermúsica (propuesta sencilla) o, como se ha especulado, su labor será la de fomentar que en distintos ciclos privados se promueva la música española.


En cualquier caso, a la espera de que se concreten más las funciones del consejo artístico, voy a apuntar un par de consideraciones.



Creo que todos estamos de acuerdo en apoyar la música española. Las orquestas y distintos organismos han hecho tradicionalmente un gran esfuerzo por fomentarla. Hay también distintos órganos que fomentan la programación de música española contemporánea como son el CDMC y el Festival de Alicante. La Orquesta Nacional ha dado un paso más y ha creado el Festival España-América para defender esos mismos valores que alude el Consejo Artístico del Auditorio.

El problema llegará si se fomenta una política intervencionista. La música española no se puede imponer por decreto y no nos va a gustar más o menos porque se programe a todas horas. Si se nos impone una dieta de música española contemporánea esto se parecerá a la madre que para que el niño coma de todo le da a todas horas espinacas. La promoción de la música española pasa por mejorar el sistema educativo, mejorar las ayudas a la creación musical y promocionar nuestra música fuera de nuestras fronteras.

El sistema de imponer música española en nuestras programaciones solo será bueno si se hace con mesura. Hay otro problema en el caso del Auditorio Nacional: en Madrid hace falta ya un espacio alternativo para celebrar conciertos. El Auditorio se queda ya pequeño para la cantidad de eventos que se desarrollan en Madrid. Si hubiera otro Auditorio de nivel para realizar conciertos, podría llevarse la música española a éste.

No perdamos de vista que el Auditorio Nacional ha alcanzado un nivel bastante bueno en los últimos años gracias al esfuerzo y al trabajo de mucha gente. No desandemos lo andado. Miremos hacia adelante.

viernes 21 de diciembre de 2007

Luis Iberni (1964-2007): Apuntes biográficos

Hace un par de semanas falleció en la Clínica Montpellier de Zaragoza Luis Iberni. A pesar de su juventud, Luis Iberni ha sido una de las figuras más relevantes en el panorama musical español y deja tras de sí una herencia cultural incalculable.

Luis Iberni nació en Zaragoza en 1964. Estudió en las Universidades de Zaragoza y Oviedo y en 1987 se licenció en Musicología por la Universidad de Oviedo obteniendo inmediatamente una beca de investigación. En 1995 se doctora y en 1996 obtiene una plaza de profesor en la Universidad de Oviedo ejerciendo al mismo tiempo como director del Aula de Música de la Universidad. En 2000, es nombrado Profesor Titular de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Madrid donde ejerció su labor, destacando en las áreas de Gestión Musical e Historia del Ballet.

Como periodista, escribió más de 1.500 artículos en distintos medios: La Nueva España, El Faro de Vigo, Diario de Mallorca, ABC de Madrid, El Mundo y ejercía como coordinador de la sección de Música de El Cultural de este último periódico. Como periodista era una pluma fina y rápida. No tenía rival en artículos panorámicos sobre la actualidad musical española y sus entrevistas eran finas y agudas. Tenía un ingenio fuera de lo común y era capaz de trazar el retrato psicológico de los artistas en muy pocas preguntas.

Como escritor, había publicado dos monografías sobre Ruperto Chapí y Pablo Sarasate así como un pequeño libro titulado “Toda la música del mundo”. En los últimos tiempos ultimaba una biografía sobre Pablo Sarasate que esperemos sea terminada en breve.

Como gestor musical, alcanzó un prestigio de nivel internacional. Estudio Gestión Musical en Amsterdam y comenzó en 1988 con Los Conciertos del Campoamor. Coordinó el Festival de Asturias en los últimos años (1992-1998) y en 1992 diseñó las Jornadas de Piano de Oviedo que, a partir de la siguiente edición, se llamarán “Jornadas de Piano Luis Iberni”. En 1994 comenzaría a trabajar como coordinador del Ciclo de Conciertos de la Universidad Complutense. Como gestor, destacó por su fino olfato y su habilidad para descubrir nuevos talentos. En las Jornadas de Piano, trajo a España desde muy jóvenes a los pianistas más prestigiosos de la actualidad. En los Conciertos de la Universidad Complutense, consiguió levantar un Ciclo trayendo en las mejores condiciones orquestas de primerísimo nivel.

Quisiera agradecer públicamente a Pilar Iberni toda la información que me ha facilitado para la elaboración de este artículo. Con la muerte de Luis Iberni, quedamos huérfanos de uno de los intelectos más grandes de la gestión musical española.

jueves 20 de diciembre de 2007

Gluck: Danza de los Espíritus Bienaventurados

El "Orfeo y Eurídice" es una de las obras más deliciosas de la música clásica. Sencilla y directa, es una de las óperas más redondas y perfectas. Si hay un aria que se ha repetido hasta la saciedad es el conocido "Che faró senza Euridice". Sin embargo, si hay algo capaz de conmover hasta los cimientos del Hades es la Melodía de la "Danza de los Espíritus Bienaventurados".

La primera vez que la escuché en mi vida fue en la transcripción para piano de Sgambati (discípulo de Liszt) tocada por Nelson Freire:



Después, un buen amigo me indicó que existía una versión para violín y piano transcrita por el mismísimo Jascha Heifetz:



Os dejo el original de Gluck. La Danza de los Espíritus Bienaventurados del Orfeo y Euridice. Tened en cuenta que la Melodía es una parte de la Danza y no comienza hasta (1' 37"). Sin embargo me quedo con Nelson Freire.

Galdós vs. Clarín

La diferencia entre Benito Pérez Galdós y Leopoldo Alas "Clarín" consiste en que, mientras Galdós mira con amor y cariño a todos sus personajes, "Clarín" parece que se burla de ellos. Curiosamente, la misma relación que podría encontrarse entre Stendhal y Flaubert en la literatura francesa.

Admiro a "Clarín" y considero "La Regenta" como una de las obras capitales de la literatura española, admiro al "Clarín" de los Cuentos (del "Dúo de la tos", del genial "El Frío del Papa" son dos obras deliciosas), pero para mí, el gran novelista español del siglo XIX es Galdós. Su técnica no es tan depurada y a veces escribe tan rápido que las palabras se atropellan unas con otras, pero ha creado los personajes más complejos de toda nuestra literatura.

Hay dos cosas que me encantan en las novelas de Galdós: la primera es ese vano ensueño idealista que recorre cada novela. Juega constantemente con lo imposible en esa lucha atormentada del ser humano en busca del ideal. La segunda, que se desnuda en casi todas sus novelas hasta el punto de que es fácil descubrir qué rasgos de qué personaje le pertenecen. El retrato más perfecto es el de Evaristo Feijoo en "Fortunata y Jacinta". Allí se juzga y se condena, pero con tanto cariño...


Lecturas recomendadas:

Leopoldo Alas "Clarín"

Cuentos:
¡Adios, cordera!
El dúo de la tos
El frío del Papa

La Regenta

Su único hijo


Benito Pérez Galdós

Fortunata y Jacinta

La desheredada

Tristana

Nazarín

El amigo manso

Lo Prohibido

miércoles 19 de diciembre de 2007

Bach esencial


Doscientos cincuenta y siete años después de la muerte de J.S. Bach (1685-1750), todavía nos falta perspectiva para abarcar de manera definitiva todos los aspectos de su obra. A pesar de que en los últimos años se han escrito cientos de nuevas biografías, los testimonios más completos siguen siendo tres libros con más de un siglo de antiguedad: las biografías de Forkel, Spitta y Schweitzer.

La dificultad que se encuentran los musicólogos en el caso de Bach, reside en que hay pocos testimonios de su vida, muchos de fuentes no muy fiables (como la famosa “Pequeña Crónica de Anna Magdalena Bach”, escrito presuntamente por su segunda esposa) y una gran parte de su obra se haya en paradero desconocido. La mayoría de los investigadores culpan de la desaparición del legado de Bach a su hijo mayor Wilhelm Friedemann Bach, de vida errática y desordenada que heredó casi toda la música de su padre. Unas obras las perdió, otras las malvendió y otras se las atribuyó como compuestas por él.


Para comprender la música de J.S. Bach debemos saber que, en la época en la que vive, la composición no se considera como un arte sino un oficio. Bach se consideraba un artesano. Estaba siempre al servicio o de un noble que necesitaba la música para bailar, o de la Iglesia que necesitaba la música para los servicios religiosos.


La vida de Bach es sencilla. Nació en Eisenach dentro de una familia de músicos. Ejerció su oficio en las cortes de Weimer y Cöthen y como Cantor en Leipzig.


De la música que nos queda, podemos distinguir tres campos bien definidos:

1) la música instrutmental escrita casi toda en su estancia en las cortes de Weimar y Cothen.
2) la música para teclado escrita en su mayor parte para enseñar a sus hijos y alumnos
3) la música sacra

Si Bach compuso la música sacra a lo largo de su vida, sus obras más conocidas pertenecen a los últimos años de su vida cuando se le nombra Cantor de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig (1723-1750). Entre sus obligaciones, tiene que componer un gran número de obra para el uso diario de la Iglesia. Es tal la cantidad de obras que tiene que escribir que frecuentemente copia partes enteras de obras suyas anteriores, de obras de otros compositores o arregla melodías populares. De esta manera surgen en este periodo sus cuatro grandes obras sacras: las dos Pasiones (según San Juan y según San Mateo), La Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.



Obras recomendadas:



Pasión según San Mateo, BWV 244


Pasión según San Juan, BWV 245


Misa en si menor, BWV 232


Oratorio de Navidad, BWV 248


Concierto para teclado, BWV 1052

Conciertos de Brandemburgo, BWV 1046 - 1051


Variaciones Goldberg, BWV 988


El Clave bien temperado I y II, BWV 846- 893



¿Sabías que
las siglas con las que se designa su obra (BWV) son las siglas de Bach Werke Verzeichnis y significa "Catálogo de las obras de Bach"?. A diferencia de la mayoría de los catálogos, está estructurado por género (Cantatas del 1-224, Motetes 225-231, Misas, 232-242...) cuando la gran mayoría de los catálogos se organiza por orden cronológico de composición.



¿Sabías que
entre las obras que "perdió" Wilhelm Friedemann estaba la "Pasión según San Mateo" la obra musical cumbre de la cultura occidental?. Lo curioso es que 70 años después la descubrió Félix Mendelssohn en un anticuario y dirigió su reestreno.



¿Sabías que
las Variaciones Goldberg, su obra más importante para piano, fueron encargadas por el conde Herman Carl von Kayserlingk para que su clavecinista Joahn Goldberg le entretuviese en las noches de insominio?. Por este encargo, Bach recibió el equivalente al sueldo de un año como Cantor en la Iglesia de Santo Tomás.



¿Sabías que
el intérprete más famoso de la música de Bach era el canadiense Glenn Gould?. Es además una de las figuras más excéntricas de la música clásica: se negaba a tocar en público y solo grababa discos (donde, por cierto, se le oye canturrear). Se dice que, para aprender más sobre Bach, pasó una temporada en un convento intentando imaginar la vida y la época en que le tocó vivir.


Música y masonería


Es imposible resumir en tan poco espacio las conexiones entre música y masonería por lo extenso e intrincado del tema. Es por esto y, teniendo en cuenta que no hay apenas nada escrito en español, que quisiera establecer de manera sintética unas bases previas que pudieran servir para un estudio posterior de la cuestión.

La masonería especulativa o moderna comienza a principios del siglo XVIII. En 1723, James Anderson publica “The constitution of the free-mason” que se considera tradicionalmente como el acta de fundación de la masonería moderna. A lo largo del siglo XVIII registra un crecimiento brutal amparado por los ideales de la Ilustración y amparada por monarcas como Federico II el Grande de Prusia o José II en el Imperio Austro-húngaro.

Con la revolución francesa y los posteriores revoluciones burguesas, comienza a asociarse la francmasonería a los movimientos liberales revolucionarios. Los estudios actuales tienden a limitar la influencia e importancia del papel de la francmasonería en las revueltas. A finales del siglo XIX, la masonería llega en clandestinidad a tener un papel fundamental en los movimientos políticos y educativos. Sus esfuerzos por imponer el modelo educativo krausista consiguen vigorizar el nivel cultural de nuestro país a principios de siglo.

Dentro de la música masónica hay que diferenciar dos tipos bien diferentes: la música compuesta específicamente para los ritos de la logia y para ocasiones solemnes como pudieran ser la “Música funeral masónica” de Mozart, la “Marcha de la gran logia” de Blavet o las obras del op. 113 de Sibelius, y por otro lado toda la música de inspiración masónica. En este sentido, las teorías son muy dispares y, como no hay documentación al respecto, no hay unanimidad en qué música puede ser considerada masónica o no. Ejemplos de esto son “La Creación” de Haydn, “Fidelio”, la “Oda a la Alegría” o la “Fantasía Coral” de Beethoven. ¿Hasta qué punto se puede considerar influencia masónica la temática, la simbología?

Por último incluyo una pequeña lista de compositores masones o que se relacionan tradicionalmente con la masonería:

J. C. Bach
F. J. Haydn
W.A. Mozart
L. van Beethoven
L. Cherubini
I. Pleyel
G. Meyerbeer
F. Liszt
J. Sibelius
G. Gershwin

Grabaciones recomendadas:

Musiques Masoniques. Varios conjuntos con D. Fischer-Dieskau para el sello EMI
Mozart: Masonic Music. Peter Maag. Varios conjuntos. Rapf CD.

lunes 17 de diciembre de 2007

Cándido de Voltaire

Cándido es probablemente el libro más curioso e interesante del siglo XVIII. A medio camino entre la novela filosófica, el libro de viajes y la novela de formación (Ausbildungsroman), narra las aventuras de un joven alemán que recorre el mundo zarandeado de un lado a otro por el cruel destino.

Con una trama llena de imaginación y perfectamente desarrollada, Voltaire construye una inmensa metáfora acerca de su mundo y de su tiempo. Cándido sintetiza las dos teorías filosóficas más populares del pensamiento ilustrado: “Vivimos en el mejor mundo de los posibles” de Leibniz y la del “Buen Salvaje” de Rousseau.

Voltaire satiriza el optimismo de Leibniz. Cándido defiende esta teoría a lo largo de la novela a pesar de que el destino se empeña en mostrarle todo lo contrario. En cuanto a la teoría “del buen salvaje” de Rousseau (el hombre originariamente – en estado salvaje - es bueno y es la sociedad quien lo corrompe) parece juzgarla como algo especulativo e imposible de darse en la sociedad actual.

Sin embargo, lo más fascinante de la novela son los distintos escenarios en los que se mueve Cándido. En apenas 100 páginas recorre el mundo entero y pasa revista a todos los grandes temas de actualidad de la época: la guerra de los siete años, las guerras de la religión, el terremoto de Lisboa, la transferencia de las misiones de los jesuitas a Portugal, el parlamentarismo inglés, los piratas del mediterráneo y la corrupción política en las colonias.

Cándido es un libro esencial: es ameno, entretenido y contiene claves fundamentales para comprender un poco más ese fascinante Siglo XVIII.

¿Sabías que Leonard Bernstein escribió una ópera sobre Cándido?. La obertura es muy espectacular: http://www.youtube.com/watch?v=422-yb8TXj8

¿Sabías que aproximadamente cien años después de Leibniz, Schopenhauer enunció su famosa teoría: “Vivimos en el peor mundo de los posibles”?

viernes 14 de diciembre de 2007

Que levante la mano...

...el que haya podido terminar de leer "En busca del tiempo perdido" de Proust.

Después de seis meses de lucha, me retiro. He leído cuatro libros y más de dos mil páginas pero ya no puedo más.

Winfried Wolf

Winfried Wolf (1900-1982), pianista y compositor, nació en Viena el 19 de Junio de 1900. Hijo de arquitecto, mostró pronto gran interés por la música. Durante sus estudios dirigió una joven orquesta y empezó a componer muy pronto.

Estudió en la Hochschule für Musik de Berlín y en 1924 hizo su debut como pianista. En los años siguientes realizó giras y conciertos por Europa, América, África y Asia siendo una figuro virtuosística de primerísimo nivel. En 1936 realiza una residencia en Los Ángeles donde estudiará con Arnold Schönberg la técnica dodecafónica. En 1938, la Filarmónica de Berlín dirigida por Carl Schuricht estreno el primer concierto para piano de Wolf. En los siguientes años compuso varias obras para escena, un trio de cuerdas, una sonata para violín, variaciones para orquesta y varios conciertos para piano.

En 1945 se instala en Madeira donde vivirá dos años y donde compuso su ópera “Amati”. Desde entonces, cada año pasaba una temporada en Portugal. En 1967 estrenaría su ópera “Isabel” basada en textos del Siglo de Oro español (tema sobre el que estaba muy interesado). Otras óperas son “Das glückliche Ende” (1954) y su ballet-ópera “Links oder rechts”.

Como profesor ejerció primero en Berlín. En 1941 gestiona la beca para que Argenta vaya a estudiar con él en Alemania. Posteriormente sería profesor en el Mozarteum de Salzburgo, muriendo en esta ciudad el 14 de Octubre de 1982.

Estaba casado con Anneliese Wolf.

Apuleyo y la novela picaresca

El origen de todos los problemas que ha tenido esta novela en nuestra tierra, comienza en el juicio de Menéndez Pelayo. Este insigne hombre de letras no era precisamente un defensor de la obra de Apuleyo al que consideraba procaz y excesivamente fantasioso. En su obra "Los Orígenes de la novela" intenta minimizar la influencia del autor latino en la literatura española y durante muchos años el anatema fosilizó en dogma.

Sin embargo, las últimas publicaciones ponen de relieve todo lo contrario. “El Asno de Oro” fue una de las obras de referencia en las bibliotecas de los eruditos del renacimiento y los vínculos con la Novela Picaresca son obvios y directos.

“El Asno de Oro” de Apuleyo narra la historia del joven Lucio que por exceso de curiosidad acaba convertido en burro y cuenta las historias que le suceden con los distintos amos a los que sirve. Al final, por intercesión de una diosa, recobra su forma original y dedica el resto de sus días a su culto.

Un primer elemento de estudio, consiste en la coincidencia del narrador en primera persona que cuenta la historia de su vida con pretensiones autobiográficas. El narrador no es omnisciente, no lo ve todo, y en ocasiones trata de justificar cómo ha llegado a saber hechos en los que no estaba presente.

En la novela latina y en la picaresca se trata de un narrador de origen humilde y de baja extracción social. Sus historias consisten en una sucesión de amos que le tratan mal y que dan lugar a anécdotas escabrosas, picantes y graciosas.

El hecho de este origen humilde es un elemento crucial porque permite a Apuleyo y a los escritores de la Novela Picaresca caricaturizar la sociedad de su tiempo a través de los distintos amos: el avaro, el ladrón, el fraile, el caballero empobrecido, el erudito… Tal vez este elemento satírico y el marco literario en que se encuadra es lo que más pudo atraer de Apuleyo al escritor del siglo XVI. No debemos olvidar que nos encontramos en plena reforma y que los sectores críticos utilizan la ironía y la sátira para defender sus posiciones : Valdés en sus diálogos, Erasmo con sus alegorías (recordemos, no más, el "Elogio de la locura"), Tomás Moro con "Utopía" y un largo etc...

Por otra parte, el hecho de utilizar personajes de baja condición social les permite introducir elementos folklóricos, historias que andaban de boca en boca o cuentos populares. También hay un aspecto moral en los hechos que acontecen al personaje: el protagonista sufre la furia del destino por sus pecados (en el caso de Apuleyo por su curiosidad, en la novela picaresca más bien por sus vicios) pero al final se consigue superar la adversidad a través de la virtud.

Una cuestión esencial en la novela de Apuleyo es lo mágico y sobrenatural. Esto es un lugar común en la novela del Siglo II como se puede apreciar en la obra de Luciano, coetáneo de Apuleyo. El elemento mágico no es tan habitual en la novela del siglo XVI y XVII – sobre todo después de la revolución racional que supone el Renacimiento – no obstante, quisiera dejar dos apuntes: en el Diálogo de Mercurio y Carón de Alfonso de Valdés (al que algunos atribuyen la autoría del “Lazarillo de Tormes”) la estructura se conforma en torno a la alegoría mitológica. En la “Segunda parte del Lazarillo” hay un homenaje claro al "Asno de Oro" cuando Lázaro después de beber mucha agua se convierte en atún y vive aventuras maravillosas en el fondo del mar rodeado de seres fantásticos.

Un último elemento que llama la atención es la interpolación de historias narradas por un personaje dentro de la trama general de la obra. En este sentido, hay un paralelismo muy interesante entre “El Asno de Oro” y el “Guzmán de Alfarache” de Mateo Alemán. En ambas novelas, se inserta una historia que abarca varios capítulos: la historia de “Amor y Psique” en Apuleyo y la de “Osmín y Daraja” en Mateo Alemán.

En definitiva, es complicado negar la influencia directa de la novela de Apuleyo en la creación de la novela picaresca. La sucesión de historia hiladas a través de un personaje de condición social baja, el elemento folklórico, el condicionamiento moral ponen de relieve que la obra de Apuleyo fue lugar común y fuente de inspiración en el Renacimiento europeo.


¿Sabías que
el "Asno de Oro" fue una fuente de inspiración no solo para la novela picaresca sino para toda la prosa de los siglos XVI y XVII?. El ejemplo más claro es la batalla de Don Quijote con los odres de vino que está tomada casi literalmente de la novela de Apuleyo.

Alfred Schnittke



Alfred Garyevich Schnittke (1934-1998) es él músico soviético más importante de la generación de la posguerra. Tanto por su vida como por su obra, se le considera heredero de Dmitry Shostakovich a pesar de que apenas coincidieron y sus encuentros, del mismo modo que entre Beethoven y Mozart, fueron los de un joven alumno con un maestro consagrado. Shostakovich estaba muy interesado en la música del joven Schnittke y había conseguido que Radio Moscú grabase su obra de graduación: Nagasaki. Schnittke cuenta que había quedado con Shostakovich para que le diera la nota de recomendación para los directivos de la radio. Cuando se dirigía a ver a Shostakovich le retuvo la policía y le obligó a que fuera a declarar a comisaría como testigo. Llegó muy tarde y Shostakovich no quiso escuchar sus explicaciones. Desde entonces las relaciones fueron distantes.



Schnittke nació en Engels, hijo de alemanes del Volga - alemanes que fueron a repoblar el Volga en el siglo XVIII y se quedaron en Rusia conservando su lengua y costumbres. Su padre era judío y ateo, su madre católica alemana. Schnittke comparaba el eclecticismo de su estilo con su paradoja vital: era ruso y al mismo tiempo alemán, de padre judío, madre católica y abuela ortodoxa.

Tras la II Guerra Mundial, el padre de Alfred Schnittke - traductor y periodista - es nombrado corresponsal en Viena. Allí comienza a estudiar piano de manera esporádica y asistemática. Regresa a Rusia en 1948 y se instalan en una dacha a las afueras de Moscú. Intenta ingresar en el célebre Instituto Gnessin pero le rechazan por ser bastante mayor para empezar sus estudios (tenía ya 14 años). Comienza en estudiar en el Colegio Musical Octubre Revolucionario. Boris Alexeyev comenta que le llamaban la atención dos cosas: escribía toda la música en Do Mayor (¿?) y tenía una memoria perfecta para la música: era capaz de recordar hasta el mínimo detalle de cada una de las piezas que había tocado.

A pesar de contar con una oposición frontal por parte de sus padres, sus progresos son increíbles. El primer año es capaz de tocar Estudios de Chopin, el segundo un Concierto de piano de Haydn, al tercero el Segundo Concierto para piano de Rachmaninov y el cuarto el Concierto para piano de Grieg, la Sonata de Medtner o la Sonata nº 2 de Schumann. Con las disciplinas teóricas sucede lo mismo: el primer año aprende armonía, el segundo formas musicales y el tercero composición. Bajo la tutela de Iosif Ryzhkin escribe su primera obra: "Poème" para piano y orquesta. Gracias a esta obra consigue entrar en el Conservatorio de Moscú en 1953. Es el año de la muerte de Stalin y de Serguei Prokofiev.

En 1956 se muda la familia Schnittke a Moscú. Schnittke comenzó a descubrir la música occidental gracias a la Asociación de Estudiantes y a Edison Denisov. En las sesiones de la Asociación escuchó por primera vez obras de Hindemith, Stravinsky, Bartok, Schönberg y Boulez. En 1958 se gradúa con la cantata "Nagasaki" para coro y orquesta.

Su primera etapa (1958-1972) coincide con la revolución aperturista que supone el "deshielo" de Breznev. Tras la muerte de Stalin, hay un breve periodo de apertura cultural hacia el oeste. Luigi Nono ofrece una serie de conferencias en Moscú y las vanguardias comienzan a influir en los compositores soviéticos. En 1972 se produce un giro brusco en la carrera de Schnittke con el estreno de la Sinfonía nº 1. El estreno fue un gran escándalo y el terrible Khrenikov (que se encargó de hacer la vida imposible a Shostakovich y Prokofiev) afirma que carece de talento y que debe dejar de componer. Ya desde el principio de la carrera, Schnittke había sido marcado por la Unión de Compositores como un autor peligroso.



Durante su segunda etapa (1972 - 1985) sentará las bases del poliestilismo como la mezcla y enfrentamiento de distintos estilos pero también de conceptos. De esta manera pretende llegar a la síntesis de lo serio y lo ligero, de lo popular y lo culto. En sus obras se suceden marchas militares, himnos soviéticos, canciones populares, citas de Mozart, Haydn y Beethoven conjugadas con una gracia y facilidad de estilo únicas en la historia.


A pesar de gozar de las antipatías del partido, consigue salir en 1977 por primera vez desde su residencia en Viena. Para ello, Gidon Kremer - que será un sólido apoyo en toda su carrera - consiguió que le incluyeran en una gira al oeste de su Concerto Grosso nº 1, ¡como clavecinista!. En la década de los 80 comienza a ser conocido a nivel mundial. Al apoyo de Gidon Kremer se suma el de Mstilav Rostropovich (para quien compuso dos conciertos para violonchelo) y Yuri Bashmet (para quien compuso el celebérrimo Concierto para viola). Sus obras se convierten en icono del establishment soviético.



1985 es un año clave para su vida. Sufre por primera vez un infarto que le tuvo en coma durante mucho tiempo llegando a estar clínicamente muerto. La recuperación fue lenta y dura. Los médicos hablaron de una tendencia congénita al infarto. Schnittke sabía que en poco tiempo llegaría su final. Comienza a escribir música frenéticamente. Una tras otra se van sucediendo sus obras maestras en un estilo claro y conciso. Las obras de este último periodo se caracterizan por un misticismo y una secillez embriagadoras. En 1990 emigra a Hamburgo donde vivirá hasta el fin de sus días. En 1991 sufrió su segundo infarto y en 1994 un tercero. El último de ellos, el 3 de Agosto de 1998 se lleva su vida por delante.


Concierto Grosso nº 1 (V. Rondo y VI. Postludio)



Obras Fundamentales:


Concierto Grosso nº 1


Concierto Grosso nº 2


(K)eine Sommernachtstraum


Concierto para viola Concierto para violín nº 4


Faust Cantata


Quinteto con piano



El sello sueco BIS graba desde 1987 la integral de la obra de Alfred Schnittke. La mayoría de las versiones son magníficas aunque cabe destacar las versiones de Yuri Bashmet del Concierto para viola que hay en RCA y la de Gidon Kremer del Concierto Grosso nº 1 para Deutsche Grammophon.


¿Sabías que
a pesar de ser el músico soviético más importante de su generación, Schnittke vivía de los ingresos que conseguía por las bandas sonoras de las películas?

¿Sabías que en el último número de la Cantata Fausto quería expresar musicalmente la frase de Thomas Mann: "le peor tortura en el infierno no es el dolor sino la humillación" y para expresar la humillación obliga al cantante (Mefistófeles) a cantar... un tango con un micrófono?

¿Sabías que además de compositor, Schnittke escribió numerosos artículos de investigación?. El más importantes es "Tendencias poliestilísticas en la música moderna".


Bibliografía:

M. KOSTAKEVA: Das Spätwerk von Alfred Schnittke. 2005. Pfau.

A.IVASHKIN (Ed.): A Schnittke Reader. 2002. Indiana University Press

A.IVASHKIN (Ed.): Über das Leben und die Musik. 1998. Econ.

A.IVASHKIN: Alfred Schnittke. 1996. Phaidon.

VV.AA.: Alfred Schnittke zum 60. Gebustag. 1994. Sikorski

T. BURDE: Zum Leben und Schaffen des Komponisten Alfred Schnittke. 1993. Kludenbach: Gehann.