Música clásica y cine

Creo firmemente que la música de cine será capaz de convertirse, y hasta cierto punto ya lo es, en una de las Bellas Artes - R. Vaughan Williams

Desde los primeros comienzos del cine, la música ha sido un elemento fundamental como potenciador de la imagen. Ya en el cine mudo, las películas se acompañaban por un piano o un órgano (aunque todos estamos acostumbrados a ver al pianista tocando mientras pasan la película, parece ser que era más habitual el uso del órgano positivo). Muchos compositores hicieron sus primeros pinitos como pianistas en cine incluyendo al gran Shostakovich.

Con el cine sonoro, muchos compositores cayeron en la tentación de escribir música para el cine porque daba mucho más dinero que los conciertos. Entre ellos podemos destacar a Erik Korngold (Robin Hood, El capitán Blood, El príncipe y el mendigo), George Gershwin (Un americano en París), Dmitry Shostakovich (El Rey Lear, La Nueva Babilonia), Serguei Prokofiev (Alexander Nevski) o Leonard Bernstein (West Side Story). En España, el compositor que más ha colaborado con el cine ha sido Antón García Abril (Los Santos Inocentes y las por todos conocidas: Sor Citroen, La ciudad no es para mí, las secretarias, el turismo es un gran invento, abuelo made in Spain o Vente a Alemania Pepe).

Con la radicalización del lenguaje musical, los directores de cine se han mostrado poco partidarios de incluir música de sus contemporáneos y mucho menos de encargar una partitura entera a uno de ellos. La gran excepción es Stanley Kubrick con

2001: Una Odisea en el Espacio que utiliza el "Requiem", "Lux Aeterna", "Atmósferas" y "Aventuras" de Ligeti

El resplandor que utiliza "Lontano" de Ligeti, "Música para cuerda percusión y celesta" de Bartok, "El despertar de Jacob", "Utreja", "Polomorphia", Canon para 52 instrumentos" o "De Natura Sonoris" de Penderecki.

Eyes Wide Shut que utiliza la "Musica Ricercata" también de Ligeti

Otra gran película que utiliza música de Ligeti es "Heat" (1995) con Robert de Niro y Al Pacino con su "Concierto para violonchelo y Orquesta".

Sin embargo, en los últimos años ha habido dos posturas del cine ante la música clásica: por una parte ha habido una tendencia a crear nueva música partiendo de las investigaciones tímbricas y drámticas de finales del siglo XIX (Wagner, Mahler, Strauss) dando lugar a auténticas obras de arte como son las bandas sonoras de John Williams. Si, si... no se me asusten. John Williams parte de muchas de las ideas drámaticas y tímbricas de Wagner (comparad si no, la fanfarria inicial de la "Guerra de las Galaxias" y la "Marcha Nupcial" de Lohengrin de Wagner).

La otra postura es la vuelta a los autores clásicos, sobre todo en películas de época así como para contrastar el pasado y el presente.

En cualquier caso, quisiera mencionar dos películas donde la música clásica esta casi al mismo nivel que la imagen:

"La muerte en Venecia" de Luchino Visconti.

Esta película sirvió para sacar del olvido a Gustav Mahler. Hasta ese momento (1960) apenas era conocido y su música se había olvidado prácticamente. La inclusión del Adagietto de la Quinta Sinfonía centró todas las miradas en la música de Mahler y comenzó su lenta incorporación en el repertorio de todas las orquestas hoy en día.

"Barry Lindon" de Stanley Kubrick

Las historias de este buscavidas sirven como excusa a Stanley Kubrick para centrarse en un espectáculo donde la imagen y la música acaparan todo el protagonismo. A destacar, el segundo movimiento del Trio nº 2 op. 100 de Schubert, la Zarabanda de la suite nº 4 de Händel o la Marcha de Idomeneo de Mozart.

Conciertos de la semana (IV)

La semana pasada no pude estar en ninguno de los conciertos que seleccioné (estuve en Tristán en el Real y en un concierto de órgano) pero me comentaron que el gran éxito de la semana en Madrid fue, desde luego, el concierto de Minkowski con Les Musiciens du Louvre con tres propinas incluidas. Esta semana va a ser muy tranquila destacando el intercambio en la Orquesta Nacional: viene la Orquesta Sinfónica de Barcelona con Eiji Oue y una Novena de Mahler.

Madrid

Martes, 29 de Enero a las 20.00

Auditorio Nacional

Joaquín Achúcarro, piano

Programa:

Brahms: Variaciones sobre un tema de Schumann, op. 8

Brahms: Rapsodia nº 1

Brahms: Klavierstücke, op. 119

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Debussy: 5 Preludios (Libro II)

Ravel: Gaspard de la Nuit

Muerto Rafael Orozco y retirada Alicia de Larrocha, Joaquín Achúcarro es a sus 75 años, el máximo exponente del piano español. Grandísimo artista, presenta un programa muy atractivo con una primera parte de micropiezas brahmsianas y una segunda parte, algo más dura, con el siempre difícil Gaspard de la Nuit.

Accesibilidad: 9

Interpretación: 7

Valoración: 8

Jueves y viernes, 31 de Enero y 1 de Febrero a las 20.00

Teatro Monumental

Orquesta de la RTVE

Dir.: Günter Herbig

Programa:

Bruckner: Te Deum

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Bruckner: Sinfonía nº 7

El veterano Günter Herbig (batuta pesada perosiempre interesante) presenta dos obras emblemáticas del siempre difícil Anton Bruckner. El Te Deum es una obra coral de mucha fuerza y peso, la Sinfonía nº 7 es una de las más populares. El segundo movimiento, homenaje a Wagner escrito tras conocer su muerte y el tercero, se cuentan entre lo más conocido de su obra.

Accesibilidad: 5

Interpretación: 6

Valoración: 6

viernes, sábado y domingo, 1, 2 y 3 de Febrero a las 19.30 (el domingo a las 11.30)

Auditorio Nacional

Orquesta Sinfónica de Barcelona

Dir.: Eiji Oue

Programa:

Mahler: Sinfonía nº 9

La Novena de Mahler es una de las grandes obras del repertorio occidental. Una sinfonía intensa con el tema central de la muerte y la desesperanza. La pieza dura hora y media con dos movimientos lentos de media hora a cada extremo y en medio, dos movimientos más ligeros. El último movimiento es un prodigio de estructura y manejo del sonido. En los últimos cinco minutos el sonido va desapareciendo paulatinamente hasta que parece fundirse con el silencio. La Orquesta Sinfónica de Barcelona es una grandísima orquesta y, desde que Oue está al frente, ha ganado mucho dinamismo.

Accesibilidad: 4

Interpretación: 9

Valoración: 8

Valencia

viernes, 1 de Febrero a las 20.15

Palau de la Música

Orquesta de Valencia

Dir.: Yaron Traub

Solista: Sharon Kam

Programa:

Obra de encargo del Institut Valenciá de la Musica

C. M. von Weber: Concierto para clarinete nº 1

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R. Strauss: Una vida de héroe

La Orquesta de Valencia y su director titular presentan un programa heterogéneo con una obra de encargo, la curiosa "Vida de héroe" - que no es una pieza heroica como promete el título si no del héroe del hogar... - y el poco conocido concierto para clarinete.

Accesibilidad: 7

Interpretación: 7

Valoración: 7

30 de Enero, 2, 4 y 6 de Febrero

Palau de les Arts

Prokofiev: Esponsales en el monasterio

Orquesta del Palau

Dir.: D. Jurowski

Reparto:Viacheslav Voynarovski, Ales Jenis, Liubov Petrova, Alexandra Durseneva, Vsevolod Grivnov.

"Esponsales en el Monasterio" es una de las óperas más fascinantes de Prokofiev. Sus óperas, poco conocidas por el gran público todavía, esconden probablemete sus mejores momentos musicales. Es una ópera que merece la pena ver y para la que todavía se pueden conseguir entradas.

Accesibilidad: 6

Interpreatación: 7

Valoración: 9

F. J. Haydn y el camino hacia la libertad

Los veinte últimos años del siglo XVIII son probablemente la etapa más fascinante para la teoría de la recepción y la sociología de la música. Contemplamos la destrucción de un orden antiguo y el nacimiento de nuevos valores que siguen vigentes aún en nuestros días.

Con el declive de la monarquía y el ascenso de las clases burguesas, cambia la función social del músico. Ya no será un empleado a las órdenes de un príncipe o de un obispo, ni tendrá que seguir las directrices estéticas de ningún señor. Con el surgimiento de los conciertos públicos, el artista escribe para una gran audiencia y los parámetros que miden el éxito y el fracaso no dependerán del arbitrio de uno, sino de los sentimientos de la masa y de la imagen pública del artista.

Por supuesto, esta evolución fue lenta y costosa y muchos compositores no fueron capaces de sobrevivir en este nuevo escenario: Mozart (1756-1791) murió en la más absoluta de la pobreza, Beethoven (1770-1827) murió en el cenit de su popularidad pero después de haber experimentado numerosas crisis financieras y Schubert (1797-1828) vivió miserablemente toda su vida.

Si Franz Joseph Haydn (1732-1809) consiguió llevar una vida placentera en medio de tanto marasmo se debió a dos causas principalmente: su música era ya muy popular cuando sobrevienen estos grandes cambios y que tuvo la suerte de elegir al público de Londres para sus experimentos.

Frente a las otras grandes metrópolis de la música, Londres ofrecía grandes ventajas a los compositores: un marco político estable, una burguesía poderosa y sedienta de cultura y una infraestructura cultural tremendamente avanzada para su tiempo. En efecto, en una época en la que no existían apenas orquestas estables, Londres contaba con dos de altísimo nivel y con empresarios dispuestos a invertir dinero en el talento.

Es por esto que Solomon - uno de los grandes empresarios londinenses – cuando supo que el Príncipe de Esterhazy había muerto y que Haydn estaba liberado de sus compromisos con la casa húngara, no dudó ni un momento en plantarse en Viena. Según cuenta su biógrafo Dies, Solomon se presentó: “Soy Salomon de Londres y he venido a buscarle. Mañana llegaremos a un acuerdo”.

Haydn encontró en Londres una acogida inesperada. Toda persona de importancia quería conocerle y en seguida trabó amistad con la Casa Real Inglesa. La Universidad de Oxford le otorgó el doctorado honoris causa. En su primera estancia (1791-1792), Haydn estrenó las Sinfonías nº 93-98, en su segunda (1794-1795) las nº 99-104.

El año que viene, se celebra el doscientos aniversario de la muerte de Haydn. Seguro que será una ocasión única para redescubrir a uno de los músicos más interesantes y apasionantes que tenemos.

Marco Aurelio

Al despuntar la aurora hazte la siguiente consideración previa: me encontraré con un indiscreto, un ingrato, un insolente, un mentiroso, un envidioso, un insociable. Todo esto les acontece por ignorancia de los bienes y de los males...

Con este breve párrafo comienza una de las éticas filosóficas más fascinantes de la historia de la literatura. Marco Aurelio (121-180) escribió sus Meditaciones como una compilación de todas las enseñanzas que había recibido a lo largo de su vida. Su título original Ta eis heuatón significa en griego "Acerca de si mismo" y el título de Mediatciones llegará tras una serie de modificaciones, malas traducciones e interpretaciones libres. Las Meditaciones junto a las Cartas a Lucilio de Séneca, son el compendio perfecto de la ética estoica con sus temas recurrentes: la fugacidad de la vida, la fragilidad de lo mundano, la búsqueda de la sabiduría y la impasibilidad ante los vaivenes de la fortuna. Una bella lección para aprender en estos días de anhelos de eternidad, deseo de lo mundano, búsqueda del placer y crisis profundas ante los vaivenes de la fortuna.

Marco Aurelio nació en el seno de una de las familias más influyentes de Roma. Su abuelo M. Anio Vero fue prefecto de Roma y cónsul tres veces. Su bisabuelo había sido procónsul de Asia, dos veces cónsul y prefecto de Roma. Marco Aurelio fue adoptado muy joven por el emperador Adriano y recibió una esmerada educación en griego y en latín.

A la muerte de Adriano (genial, excéntrico, misterioso), le sucede Antonino Pío que dirigió el imperio en paz durante veintirés años. A la muerte de Antonino en 161, Marco Aurelio toma las riendas del imperio dirigiéndolo conforme a las ideas que desarrolla en las Meditaciones.

Es importante constatar que el siglo II, fue el último gran momento de estabilidad del imperio romano. Cuatro emperadores consecutivos habían gobernado con acierto: Trajano (guerrero, consiguió extender el imperio hasta el límite máximo que jamás tuvo), Adriano (el artista, hizo florecer las artes), Antonino Pío (administrador, consiguió grandes avances en política interna) y Marco Aurelio. Después vendrá una época de inestabilidad y turbulencias tras la que el imperio ya no volverá jamás al antiguo esplendor de sus antepasados.

Sin embargo, el reinado de Marco Aurelio no fue nada cómodo. Comenzó con la invasión de los partos de las tierras de Armenia. Poco después los bárbaros del Danubio invadieron la zona de lo que hoy sería Hungría, Rumanía y los Balcanes llegando a las puertas de Aquileia. Después de sofocar ambas sublevaciones, se levantan los bárbaros del Norte (marcómanos, sármatas, yáziges). Cuando ha controlado esta última sublevación, llegan desde Oriente noticias preocupantes: Avidio Casio se ha proclamado emperador en Siria. Por suerte, antes de enviar las tropas, sus propios soldados asesinaron a Casio. Cansado y envejecido muere en Vindobona (Viena) luchando contra los bárbaros.

Algunas de sus meditaciones:

Destruye la sospecha y queda destruido lo de "se me ha dañado"; destruye la queja de "se me ha dañado" y destruido queda el daño (Libro IV, 7)

No consideres las cosas tal como las juzga el hombre insolente o como quiere que las juzgues; antes bien examínalas tal como son en realidad (Libro IV, 11)

Cuánto tiempo libre gana el que no mira qué dijo, hizo o pensó el vecino, sino exclusivamente qué hace él mismo (Libro IV, 18)

Camino siguiendo las sendas acordes con la naturaleza, hasta caer y al fin descansar, expirando en este aire que respiro cada día (Libro V, 4)

Donde es posible vivir, también allí se puede vivir bien y es posible vivir en palacio, luego es posible vivir bien en palacio (Libro V, 16)

A la piedra tirada a lo alto, ni la perjudica el descenso ni tampoco el ascenso (Libro IX, 17)

Decía Sócrates: "¿Qué queréis?¿Tener almas de seres racionales o irracionales? De seres racionales. ¿Sanos o malos? Sanos. ¿Por qué, pues, no las buscáis? Porque las tenemos. ¿Por qué entonces lucháis y disputáis?"

Conciertos de la semana (III)

Madrid

22 de Enero a las 20.00
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Dir.: R. Barshai

Programa:

Beethoven: Cuarteto op. 18(orquestación de Barshai)
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Shostakovich: Sinfonía nº 13 "Babi Yar"

El director Rudolf Barshai se hizo famoso por sus orquestaciones de los cuartetos de Shostakovich al que conoció personalmente. Sus orquestaciones siguen siendo de referencia (especialmente la del Cuarteto nº 8). Barshai viene a Madrid con un programa muy interesante y muy intenso. La primera parte transcribe un Cuarteto del op. 18 de Beethoven (no sé cual porque no viene y son 6 cuartetos) y después una de las sinfonías más interesantes de Shostakovich. La Sinfonía Babi Yar denuncia la matanza indiscriminada de judíos en el barranco de Babi Yar. La obra se inserta en una época de marcado antisemitismo en la Rusia soviética.

Accesibilidad: 7
Interpretación: 7
Valoración: 7

23 de Enero a las 20.00

Les Musiciens du Louvre
Dir.: Mark Minkowski
Programa:

Haydn: Sinfonía nº 101
Haydn: Sinfonía nº 103
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Haydn: Sinfonía nº 104

Un programa muy atractivo y entretenido para los que no suelen ir habitualmente a los conciertos. Tres sinfonías populares de Haydn con uno de los grandes directores del momento.

Accesibilidad: 10
Interpretación: 8
Valoración: 9

25, 26 y 27 de Enero

Orquesta Nacional de España
Dir.: J. Pons
Sol.: Sybilla Rubens, Roman Terkel

Programa:

Brahms: Requiem alemán

Después de una magnífica interpretación de la "Canción de la Tierra" la Orquesta Nacional sigue insistiendo en el gran repertorio alemán de finales del siglo XIX. El Requiem Alemán es una de las grandes obras de todo el repertorio. Basada en textos bíblicos (es un requiem protestante y no sigue el mismo esquema de un requiem católico) describe de manera exhaustivo todos los registros que van desde la desesperación hasta la esperanza.

Accesibilidad: 6
Interpretación: 6
Valoración: 7

Valencia

21 de Enero a las 20.15

Les Musiciens du Louvre
Dir.: Mark Minkowski
Programa:

Haydn: Sinfonía nº 93
Haydn: Sinfonía nº 95
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Haydn: Sinfonía nº 102

(Ver notas al concierto en Madrid)

Día 27 de Enero a las 19.30

Pittsburg Symphony Orchestra
Dir.: Rafael Frühbeck de Burgos
Programa:

Wagner: Obertura de los Maestros Cantores
Wagner: Preludio y muerte de Isolda
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Brahms: Sinfonía nº 1

Rafael Frühbeck de Burgos ha sido uno de los grandes directores españoles de los años 60 y 70. Director Titular de la Orquesta Nacional, de la Sinfónica de Viena, de la Filarmónica de Dresde es uno de los más grandes de la dirección orquestal. A pesar de sus setenta y muchos sigue estando en buena forma y viene con una orquesta magnífica. El programa es un dulce...

Accesibilidad: 9
Interpretación: 7
Valoración: 8

Apreciar la Música (IV)

El director de orquesta

Cuando uno va cogiendo gusto a esto de la música, lo primero que le llama la atención es el director de orquesta y más de uno nos preguntamos para que sirve un señor que agita las manos y mira al cielo con los ojos en blanco. Más de uno hemos tenido la tentación de pensar que el director de orquesta no es más que un buen actor que tiene que hacer un papel en la gran comedia que es un concierto.

El director de orquesta es el elemento fundamental en el concierto. Viene a ser el jefe de una empresa compuesta por 100 músicos. Como os podéis imaginar, una empresa depende de la eficacia y competencia de sus trabajadores pero si los trabajadores son eficaces y la empresa no tiene un buen jefe, éstos no rinden de la misma manera.

La labor de un director tiene tres momentos: el estudio de la partitura, los ensayos y la ejecución. Por supuesto, el estudio de la partitura es la base sobre la que se parte y la que va a definir el resultado final. Hay muchas historias (y leyendas) de mentes prodigiosas como la de Lorin Maazel, un director de orquesta que ahora debe tener unos setenta años, que decían que se estudiaba las partituras en los aviones entre un concierto y otro.

Los ensayos, son la parte que el público nunca ve y que, en definitiva, define el resultado de un concierto. En una sociedad como la nuestra, motivada por una política de mercado, una orquesta puede ensayar una media de doce horas + un ensayo genral por concierto. Antes se ensayaban mucho más los programas. En cualquier caso, en esas doce horas de trabajo intenso, el director de orquesta tiene que impregnar a los músicos de su visión de las obras en dos aspectos: la técnica y la expresión (¿os suenan?). Por una parte trabajar las partes difíciles donde la orquesta no está bien coordinada o donde no están bien afinados y por otra, buscar los matices que el director quiere dar a la obra.

Por último está la ejecución. Los aficionados al fútbol lo entenderéis bien: imaginaos a un entranador que lleva toda la semana dando instrucciones al equipo. No obstante, a la hora del partido surgen situaciones no previstas, cambios, problemas de motivación que el entranador tiene que saber corregir sobre la marcha. Con los directores de orquesta pasa lo mismo: en el concierto siempre hay problemas y situaciones anómalas que hay que saber corregir. El director con un gesto, con una mirada tiene que ser capaz de solucionar cualquier problema que pueda potencialmente surgir. Y creedme: no hay un solo concierto donde todo salga como en los ensayos.

Para este último aspecto, es fundamental la personalidad y el carisma del director. Al fin y al cabo se trata de coordinar 100 voluntades en una sola batuta. Se cuenta que un día estaba ensayando la Filarmónica de Viena con un director mediocre. Había dos personas en el público. En un determinado momento la orquesta empieza a tocar a un nivel increíble. Uno le pregunta al otro: "¿por qué ahora tocan tan bien?". El otro le contesta: "Es que acaba de entrar en la sala Wilhelm Fürtwangler". También me encanta la historia de André Previn que con 16 años iba a debutar con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. La orquesta se tomaba a broma tener a un director tan joven y decidieron que en vez de afinar en "la" (que es lo normal), afinarían un semitono más bajo (tal vez para comprobar si se daba cuenta de que la orquesta estaba desafinada). Empiezan a afinar y Previn en vez de descomponerse ante esa falta de respeto, se dirige a la orquesta y les dice: "La siguiente obra la vamos a tocar entera... un semitono más bajo" con lo que, de forma elegante, se ganó el respeto de toda la orquesta.

Hay tres tipos de directores: Director Titular (es titular de la orquesta y dirige la mayoría de los conciertos, tiene también un compromiso de formar a los músicos), Director Musical (además de dirigir una serie de conciertos tiene la obligación de gestionar los programas que toca la orquesta) y Director Invitado (viene eventualmente cuando es invitado para trabajar una semana con la orquesta).

Los directores históricos más importantes del siglo XX son: Arturo Toscanini, Arthur Nikitsch, Wilhelm Fürtwangler, Leopold Stokowski, Bruno Walter, Eugene Ormandy, George Szell, Karl Böhm, Otto Klemperer, Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Zubina Mehta y George Solti (aunque la lista es muy subjetiva y ampliable).

En España, los directores más importantes han sido Enrique Fernández Arbós, Bartolomé Pérez Casas, Ataulfo Argenta, Rafael Frühbeck de Burgos, Antoni Ros Marbá y Jesús López Cobos.

En la próxima sesión vamos a hablar de las salas de concierto.

¿Sabías que antiguamente para marcar el ritmo se golpaba con un bastón en el suelo?. De ahí proviene la palabra batuta. El compositor francés Lully murió de septicemia al clavarse el bastón en el pie cuando dirigía a la orquesta.

Os dejo con el final de de un reportaje sobre Fürtwangler. La música es la "Muerte de amor" de Isolda de "Tristán e Isolda" de Wagner. La versión es uno de los grandes clásicos del siglo XX con Kirsten Flagstadt y la Orquesta Philharmonia de Londres dirigida por Fürtwangler:

Aquí va otra joya: Leopold Stokowski dirigiendo el "Preludio a la siesta de un fauno" de Debussy en dos partes:

Trágicos vieneses

En la Plaza de los Héroes, enfrente del Palacio Imperial hay dos estatuas que se miran desde hace 150 años. La primera representa al Archiduque Carlos que fue el primer general que consiguió derrotar a Napoleón en una batalla, la otra al Príncipe Eugenio de Saboya que venció a los turcos cuando asediaban la ciudad en el siglo XVIII.

En 1853 Fernkorn construyó la estatua del Archiduque Carlos montado en un caballo con las dos patas delanteras levantadas. Apoyó las 20 toneladas de hierro que pesa, únicamente sobre las patas traseras. Cuando terminó los trabajos volvió a su estudio y volvió a repasar los cálculos que había hecho. Hasta entonces nadie había conseguido sostener tanto peso en una superficie tan pequeña. ¿Y si hubiera algún error?.

Es medianoche y todavía no ha conseguido dormir. Los números pasean por su cabeza y parece que se ríen de él. A la mañana siguiente, vuelve a Heldenplatz. La estatua sigue en pie. Se ríe de su estupidez y vuelve de nuevo al trabajo. Sin embargo, aquella noche tampoco puede dormir. Cada noche los números volvían a aparecer en su cabeza y por la mañana vuelve a ver la estatua en su sitio como un círculo interminable. Y la estatua sigue en pie. Al cabo de unos años, en el manicomio de Saint Polkten a las afueras de Viena, la enfermera se encontró una mañana el cadáver de Fernkorn. Se había suicidado. Por fin encontró el descanso… y la estatua sigue en pie hoy en día.

Más aún me sorprendió la historia de Kart Ritter von Geger, uno de los ingenieros más brillantes del siglo XIX. Su gran obra fue la construcción de los túneles de Simmering, a las afueras de Viena. Hasta ese día, los túneles se hacían por el método tradicional de cavar hasta encontrar la salida en el otro extremo. Ritter von Geger agilizó los trabajos calculando la trayectoria exacta que debía describir el túnel. De esta manera, se podía cavar por los dos extremos y encontrarse en el punto intermedio.

Según sus cálculos debían encontrarse en dos semanas en la galería intermedia. Se había invertido tanto dinero en esta idea tan revolucionaria que, el día fijado, vino incluso Francisco José a supervisar las obras. Al final del día aún no se habían unido las dos galerías. Unos cuantos colegas, envidiosos del éxito que los métodos de Ritter von Geger habían tenido, propagaron el rumor de que los cálculos eran falsos y que cada túnel iba en una dirección distinta y nunca se encontrarían. Según avanzaba el día fueron dejando al ingeniero solo. A la mañana siguiente, encontraron el cuerpo de Kart Ritter von Geger muerto al pie del túnel. Se había envenenado. Unas horas más tarde los dos túneles se encontraron en el punto exacto donde él había calculado.

Viena esconde una tragedia en cada esquina y una historia en cada rincón. Por las tardes, en la última hora del día, me gusta sentarme en cualquier viejo café de Viena. Me siento en los sillones de terciopelo y contemplo a la gente a mi alrededor. Nadie habla, nadie ríe. La gente se sienta sola en el café y escribe o lee o mira al infinito. Y piensa, sobre todo piensa. Y pienso yo cuando les veo pensar que todo vienés esconde un trágico cuya tragedia es tomarse la vida demasiado en serio.

Charles Burney: un viajero del siglo XVIII

Charles Burney (1726-1814) es una figura esencial para la historia de la música. Compositor, profesor, editor y organista, Charles Burney es recordado por sus escritos musicológicos.

En una época en la que los estudios sobre historia de la música apenas existían, escribió cuatro obras fundamentales: El estado actual de la música en Francia e Italia, El estado actual de la música en Holanda, Alemania y las Provincias Unidas, la Historia General de la Música (en cuatro volúmenes) y las Memorias.

De los cuatro libros, los más interesantes son los dos primeros ya que nos cuenta de primera mano sus encuentros con Farinelli, Jomelli, Galuppi, Padre Martini, Piccini así como Rousseau, Voltaire y Diderot. En muchos casos nos encontramos con documentos y testimonio únicos. Por otra parte, el estilo de Charles Burney es increiblemente fluido y cuenta de forma amena y entretenida muchos detalles e historias de un viajero del siglo XVIII.

Otra contribución importante de Charles Burney es la descripción de la vida musical de Europa. Preocupado en minuciosas descripciones, nos cuenta cómo funcionaban los teatros públicos, cómo cantaban los músicos en las calles y cómo se desarrollaba los conciertos en academias privadas.

¿Sabías que además de la música, Charles Burney estaba interesado en la astrnomía llegando a publicar un libro "Ensayo sobre la Historia de los Cometas"?

¿Sabías que entre sus círculo de amistades estaba el célebre escritor inglés Samuel Johnson?

¿Sabías que la hija de Charles Burney fue una novelista inglesa muy famosa conocida bajo el seudónimo de Madame D'Arblay?

Conciertos de la semana (II)

Madrid

Lunes 14 de Enero a las 20.00
Ciclo Scherzo de jóvenes intérpretes
Bertrand Chamayou, piano

Programa:
SCHUMANN: Papillons, op. 2
F. MENDELSSOHN-BARTHOLDY: Variaciones serias, op. 54
3 Estudios, op. 104b
2 Lieder, op. 34, n.ºs 2 y 4
Rondo capriccioso, op. 14B
BARTÓK: 6 Danzas populares rumanas, op. Sz 56
8 Improvisaciones sobre canciones populares húngaras, op. 20 Sz 74
F. LISZT: 2 Csardas, S 225
3 Rapsodias húngaras, S 244

Bertrand Chamayou es uno de los jóvenes valores franceses en alza. Con tan solo 26 años ha ganado el concurso Long-Thibault, el premio Victories de la Musique y ha grabado ya su primer CDpara Sony. Ofrece un programa muy interesante, caleidoscópico y de estilos muy diferentes. Destacan las interesantísimas Danzas Rumanas de Bartok y las siempre apasionantes "Variaciones serias" de Mendelssohn.

Accesibilidad: 8

Interpretación: 7

Valoración: 7

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/

Martes, 15 de Enero a las 19.00

R. Wagner: Tristán e Isolda

Intérpretes: Robert Dean Smith, Waltraud Meier, Alan Titus, René Pape

Orquesta Sinfónica de Madrid

Dir.: J. López Cobos

Del 15 de Enero al 4 de Febrero aterriza en Madrid un Tristán con un reparto difícilmente igualable. Al lado de los ya consagrados Meier, Titus y Pape canta el maravilloso Robert Dean Smith. Ojo a Jon Frederic West que canta el Tristán en el segundo reparto ya que cantó hace dos veranos un Sigfried inigualable en el Auditorio del Escorial junto a la Orchestre de París.

Accesibilidad: 6

Interpretación: 10

Valoración: 10

http://www.teatro-real.com/

18, 19 y 20 de Enero a las 19.30 y 11.30 (domingo)

ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA

Dir.: Josep Pons

Solistas: Victor Anchel, oboe; Jane Irwin, mezzo; Klaus Florian Vogt, tenor

Programa:

Zimmermann: Concierto para oboe

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G. Mahler: La Canción de la Tierra

La Orquesta Nacional trae a dos cantantes de primerísimo nivel para cantar una de las obras más bellas del repertorio del siglo pasado. Basada en poemas chinos, La Canción de la Tierra es un lamento de cerca de hora y media sobre la fugacidad de la vida. El último poema "La despedida" se considera el testamento musical de Gustav Mahler.

Accesibilidad: 6

Interpretación: 9,5

Valoración: 9,5

http://ocne.mcu.es

Apreciar la Música (III)

Las Orquestas

Después de haber mostrado los principios básicos de estética musical de manera un poco acelerada, vamos a repasar una serie de cuestiones de cultura general. Como bien sabéis, la cultura general la carga el diablo y hay que usarla con mesura porque a veces nos lleva a desechar buenas intuiciones propias por malos conocimientos de extraños. Nietzsche decía con bastante acierto que "la erudición en sí misma es esteril" y creo que tiene razón. No obstante, es importante tener unos conocimientos básicos de cultura a partir de los cuales podamos formar nuestro criterio.

La primera cuestión que surge es: ¿qué es una orquesta?. La respuesta es muy compleja. Si alguien tiene mucho interés en el tema le recomiendo el brillantísimo libro de Neal Zaslaw "The Birth of the Orchestra" (Oxford University Press, 2005) en el que se ventila el tema en unas 500 páginas.

En cualquier caso, una orquesta es un conjunto de músicos que actúan asociados. Podemos establecer un número mínimo de 10 componentes. Por debajo de ese número estaríamos hablando de un conjunto de música de cámara. Las orquestas nacen alrededor del Siglo XVI en los cortes e iglesias como respuesta a un boom en el desarrollo físico de los instrumentos (es la época de los Stradivarius, Amati...) y una evolución en la música desde lo vocal hacia lo instrumental. Hasta el siglo XVI se consideraba la música vocal como la única digna y los instrumentos eran elementos muy secundarios.

Se considera tradicionalmente a "Los 24 violines del Rey" como la primera orquesta estable. Los 24 violines estaban a las órdenes del rey de Francia y alcanzaron su plenitud hacia 1650 con Jean-Baptiste Lully al frente del conjunto. Sin embargo, las orquestas no alcanzarán su pleno desarrollo hasta el periodo de 1770-1800 en Londres. De esta época datan casi todo los elementos que hoy son habituales en las orquestas. El nacimiento de la orquesta está muy ligado al auge de la cultura burguesa y a lo largo del siglo XIX con todas las revoluciones burguesas se impondrán las orquestas como el símbolo máximo de refinamiento cultural.

Las orquestas pueden ser de cuerdas (violines, violas, violonchelos y contrabajos) o sinfónicas (con viento madera, viento metal y percusión). Las orquestas que tocan el repertorio clásico (Mozart, Haydn y Beethoven) suelen tener entre 40-60 músicos.

Las orquestas que hacen repertorio tardo romántico y contemporáneo pueden sobrepasar los 100 músicos. Es importante tener en cuenta que estas diferencias de efectivos tienen un componente económico-social muy fuerte. Beethoven escribía música para orquestas pequeñas porque no podía disponer de orquestas más grandes. Con la segunda revolución industrial, el bienestar económico hace posible que las orquestas puedan crecer y por tanto los compositores puedan escribir obras más espectaculares.

Siempre se habla de las 5 grandes orquestas europeas y las 5 orquestas grandes americanas:

Europa: Filarmónica de Berlín, Filarmónica de Viena, Concertgebouw de Amsterdam, Sinfónica de Londres y Filarmónica de San Petersburgo.

América: Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Chicago, Sinfónica de Boston, Orquesta de Filadelfia y Filarmónica de San Francisco.

Detrás de estas cinco grandes hay una pléyade de grandes orquestas que están un escalón más bajo entre las que podemos destacar los inglesas (Royal Philharmonic, London Philharmonic, BBC, City of Birmingham), alemanas (Staatskapelle de Dresde, Staatskapelle de Berlín, Filarmónica de Munich), francesas (Orquesta Nacional de Francia), italianas (RAI, orquesta de Santa Cecilia), austriacas (Sinfónica de Viena) y una gran cantidad de orquestas rusas y escandinavas.

En España, las orquestas tienen una historia mucho más breve que sus homólogas europeas. Aunque la Orquesta Nacional fue fundada en 1939, la mayoría de nuestras orquestas apenas han cumplido la treintena. No obstante, desde fuera se comenta el impresionante desarrollo que goza nuestro país en materia de orquestas.

En la próxima sesión hablaremos de los directores de orquesta.

¿Sabías que la orquesta sinfónica más antigua es la Staatskapelle de Dresde?. La orquesta se fundó en 1548.

¿Sabías que la Filarmónica de Viena tuvo como director titular duranta muchos años a Gustav Mahler, uno de los compositores más importantes del siglo XIX?

¿Sabías que la orquesta más antigua actualmente es la Orquesta Sinfónica de Madrid?. Fue fundada en 1903. En la actualidad es la orquesta titular del Teatro Real y es prácticamente la única orquesta privada en España.

Personajes secundarios

Los personajes secundarios son el alma de las grandes novelas. Como en los cuadros de El Bosco donde lo más interesante sucede en la lejanía y casi a escondidas, los grandes escritores esconden lo más interesante de su producción en seres pequeños, ínfimos, que muchas veces pasan desapercibidos.

Para caracterizar a estas pequeñas grandes almas hay un recurso genial que se repite una y otra vez: cada uno de estos personajes tiene un único rasgo relevante que le diferencia del resto de la humanidad, que le caracteriza y que esconde una verdad universal.

Sor Simplicia en "Los Miserables" de Víctor Hugo no ha dicho una sola mentira en su vida y tiene que mentir para salvar a un inocente. El Autodidacta en "La Náusea" de Sartre dedica toda su vida a aprender en la biblioteca provincial pero tiene un método curioso de hacerlo: lee todos los libros por estricto orden alfabético de materia. Grand en "La Peste" de Camus está obsesionado por escribir un libro y escribe y reescribe constantemente la primera frase de ese libro sin avanzar jamás. En la novela rusa de finales del siglo XIX, los ejemplos son infinitos.

Estos personajes tan lejanos y borrosos en el cuadro, escritos apenas con dos brochazos nerviosos a veces esconden lo más bello de toda una novela.

Conciertos de la semana (I)

Desde el 23 de diciembre al 7 de Enero, la música clásica descansa y, salvo algún Mesías extraordinario, algún concierto de empresa y los tradicionales conciertos de año nuevo, los aficionados descansamos las orejas durante dos semanas. Esta primera semana también suele ser de transición y la temporada, propiamente dicha, no comienza con toda su fuerza hasta principios de la semana que viene. En cualquier caso ya ha y varias cosas interesantes.

En esta sección se van a reseñar los conciertos más importantes de la semana. Vamos a baremar (0/10) tres aspectos:

1) Accesibilidad: Valora la dificultad que se va a encontrar el espectador que vaya a acudir al concierto. Un concierto con un programa difícil y extraño tendrá accesibilidad 0, un programa brillante y espectacular tendrá una accesibilidad 10. Este baremo es el más importante para la gente que empieza a escuchar música clásica.

2) Intérpretes: Valora la expectativa de la calidad de la interpretación. La suma de orquesta, solista, director y programa.

3) Valoración: Una valoración global del concierto.

Madrid

11, 12 y 13 de Enero

Orquesta Nacional de España

Dir.: Diego Masson

Sol.: Nicholas Daniel, oboe

Auditorio Nacional

Programa: Carta blanca a Elliott Carter

E. Carter: Anniversary

E. Carter: Concierto para oboe

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E. Carter: Symphonia "Sum fluxae pretium spei"

El Auditorio Nacional se inaugura con la "Carta Blanca" a Elliott Carter. La "Carta Blanca" es el proyecto musical más interesante que ha habido en España en los últimos años. Durante una o dos semanas, un compositor vivo de talla mundial organiza la programación y actividades de la orquesta nacional. Durante esta semana se realizan, además de los conciertos con la orquesta, conciertos de cámara y conferencias. Es una oportunidad única para poder apreciar la música de nuestro tiempo de la mano de uno de los compositores más relevantes del siglo pasado: http://es.wikipedia.org/wiki/Elliott_Carter

Accesibilidad: 1

Interpretación: 6

Valoración: 8,5

Del 9 al 13 de Enero

R. Chapí: La Bruja

Orquesta y coro del Teatro de la Zarzuela

Dir.: Miguel Roa

Solistas: Carmen Belloch, José Bros, Susana Cordón, Nancy Fabiola Herrera, Ana Ibarra.

Teatro de la Zarzuela

"La Bruja" de Chapí es uno de tantos intentos de los compositores españoles de crear una ópera nacional. A caballo entre el drama y la zarzuela, es la segunda vez que se repone en los últimos años. El reparto es de primera calidad y la ópera merece la pena escucharse.

Accesibilidad: 5

Interpretación: 9

Valoración: 8,5

Valencia

11 de Enero

Orquesta de Valencia

Dir.: Theodor Guschlbauer

Sol: Tedi Papavrami

Palau de la Música

Programa:

Paganini: Concierto para violín nº 1

Bruckner: Sinfonía nº 2

De la mano del veteranísimo Guschlbauer, la Orquesta de Valencia nos presenta un programa bastante inusual. Hace tiempo que no se escuchaba en nuestros auditorios el impresionante concierto de Paganini. A su lado, una de las sinfonías más infrecuentes de Bruckner. Un concierto para descubrir...

Accesibilidad: 4

Interpretación: 6

Valoración: 7

Boris Vian (1920-1959)

Boris Vian tuvo la mala suerte de nacer entre dos gigantes: Jean-Paul Sartre y Albert Camus. Si hubiera nacido hace dos siglos probablemente sería una de las referencia de la literatura de su tiempo, pero entonces no sería Boris Vian y sería probablemente un campesino anarquista.

Boris Vian tiene una biografía apasionante: músico de jazz, compositor, actor y escritor, murió muy joven dejando 12 novelas, obras de teatro, una ópera y muchos cuentos. Sin embargo, lo más característico de su vida es que adoptó el desorden por sistema: fiestas, alcohol, mujeres, juicios... Boris Vian fue el mayor representante del mundo de la bohemia en la posguerra francesa. Muerto antes de los cuarento de puro agotamiento, es un ejemplo de aquella frase que un crítico decía de Oscar Wilde "puso todo su genio en su obra pero su olvidó de poner un poco en su vida".

Dentro de su producción hay dos tipos de novela:

1) La novela negra, escrita siempre bajo seudónimo y censurada siempre por exceso de sexo y violencia. Destacan "Escupiré sobre vuestras tumbas" y "Que se mueran los feos". Sus novelas negras son más bien ramplonas. En su momento fueron muy populares por el elemento escabroso pero, hoy en día, las escenas de violencia que relatan aparecen en películas que ven ya niños de ocho años. Es curioso el tema de "Que se mueran los feos" ambientada en una isla donde se realizan experimentos genéticos para crear un ser humano perfecto.

2) Novela surrealista: cargadas de imaginación, humor y poesía, cada una de ellas es una obra maestra a su manera. El surrealismo de Boris Vian es muy diferente al del resto de sus coetáneos. No olvidemos que en la misma época está en auge el teatro surrealista con Ionesco y Fernando Arrabal.

Boris Vian está a medio camino entre el realismo mágico de los escritores sudamericanos y el surrealismo europeo. En sus novelas, los personajes son reales y tienen problemas reales. Lo extraño no es más que un marco en el que se desenvuelven y en el que se sienten cómodos porque, en el fondo, el espacio en el que se mueven no es más que el reflejo de su alma.

Pongamos un ejemplo: en La espuma de los días, Colin contempla el deterioro inexorable y la muerte de su amada Chloë sin poder hacer nada. Poco a poco, las ventanas de su casa se van haciendo pequeñas, cada vez entra menos luz y los objetos van perdiendo su color... los espacios en los que se desarrolla la novela se van haciendo lúgubres progresivamente hasta la escena final que es una de las cosas más bellas que se haya escrito jamás en la literatura.

Otro característica dentro de la novela surrealista de Vian, es la presencia de lo universal insertado en tramas absolutamente vulgares. Las historias que cuenta son, en general, simples y sencillas. Sin embargo, es capaz a través de giros sorprendentes e imágenes poderosas, evocar en un instante sentimientos trágicos y pensamientos elevados. Esto se puede observar fácilmente a lo largo de La hierba roja. Llama mucho la atención, dentro de esa compleja simbología, un personaje que aparece en El Arrancacorazones: La Gloira. Es un personaje que vive en una charca podrida y al que todo el mundo le arroja toda su porquería a cambio de dinero. Un personaje similar aparece en su obra de teatro Los forjadores del imperio el Schmurz (que recuerda al alemán Schmerz: dolor) y que es un personaje parecido a un muñeco de trapo que no habla, al que insultan y torturan todos.

En cualquier caso campesino anarquista o genio incomprendido, las novelas de Boris Vian son probablemente una de las grandes genialidades de nuetro siglo.

Lecturas Recomendadas

La espuma de los días

La hierba roja

El Arrancacorazones

El Otoño en Pekín

El Lobo-hombre (cuentos)

¿Sabías que el compositor ruso Edison Denisov estrenó una ópera en 1981 con un libreto basado en La espuma de los días?. Se llama Colin et Chloë.

¿Sabías que los tribunales franceses juzgaron a Vernon Sullivan por el contenido obsceno de sus novelas?. Sin embargo nadie era capaz de encontrar a este escritor negro americano hasta que después de muchos años, Boris Vian reconoció que era su seudónimo.

Boris Vian cantando y hablando para la televisión italiana. La televisión es el invento más nefasto del siglo XX. Si viese a Cervantes haciendo lo que hace Boris Vian no hubiese leído el Quijote:

Apreciar la Música (II)

Decíamos en la entrada anterior que toda interpretación se compone de dos elementos fundamentales: técnica y expresión. Quedamos en que la parte técnica es aquella que se encarga de la parte gimnástica, de la parte física de la interpretación y consistía en transcribir la partitura de manera fiel.

La expresión por contra es la que se ocupa de la parte espiritual de la música. Hablábamos del simil del niño que aprende a leer: la parte técnica es aquella que le enseña a convertir las letras en palabras, la parte espiritual es aquella que le enseña a dar significado a las palabras.

Así como la parte de la técnica es en cierto modo objetiva y podemos saber con cierto entrenamiento si un intérprete desafina o si tiene problemas rítmicos, la parte de le expresión se adentra en las tierras resbaladizas del subjetivismo. Podríamos explayarnos un buen rato sobre las teorías del gusto que desarrollaron los filósofos griegos, romanos, renacentistas e ilustrados que pretendían establecer cánones objetivos de belleza. Pero no lo vamos a hacer.

Solamente vamos a enunciar tres líneas estéticas generales:

1) geométricas: una gran mayoría de pensadores griegos, romanos y medievales consideran que la música de la tierra es un reflejo de la música de las esferas que se da en el universo. Inciden en la parte geométrica/matemática de la música e inciden sobre todo en las proporciones.

2) imitación de la naturaleza: la música es expresión de la realidad sensible. Con los años va evolucionando hacia la expresión del "yo" interior con su cenit en el siglo XIX con el romanticismo: la música expresa mis sentimientos más allá de donde llega la palabra.

3) Espectáculo: con la llegada de las primeras vanguardias la música huye de la tradición clásico romántica y de toda capacidad de expresión del yo. Stravinsky en su Poética define la música como un espectáculo: algo que produce sensaciones y sentimientos pero que son ajenos a los sentimientos del artista.

Lo primero que tenemos que juzgar a la hora de evaluar una obra es el propio disfrute. Mucha gente acude por primera vez a un concierto piensa que no debe juzgar porque no sabe. Y en este caso, no saber significa "no saber poner palabras a sus propias sensaciones". En este sentido, es importante sentirse con derecho a aburrirse, a emocionarse, a divertirse o a enfadarse. Las obras de música clásica son muy complejas pero en el fondo la única función que tienen es la de provocar una reacción en el público.

Dicho esto, no podemos negar algo tan objetivo como el hecho de que hay músicos mejores que otros. Me gusta comparar el mérito de una interpretación con un comentario de texto: hay gente que lee un libro y es capaz de llenar 200 páginas de comentarios interesantes (y si no repasad otros blogs que circulan por ahí) y gente que lee el mismo libro y solo le sugiere un comentario básico de 20 líneas. Con la música pasa lo mismo: hay músicos que leen una partitura y empiezan a conectar ideas, pensamientos, sensaciones y sentimientos y otra gente que es capaz de entender menos.

Podríamos definir tres aspectos que determinan la diferencia entre una buena o mala interpretación: 1) esta inteligencia emocional a la que nos referíamos antes, 2) el tiempo empleado en estudiar una partitura y 3) la imagen externa

No se me tiren de los pelos... por desgracia, no olvidemos que la música - si hacemos caso a Stravinsky - es espectáculo y la imagen es fundamental. Os adjunto fotos de artistas de primerísimo nivel:

Son Janine Jansen, Hilary Hahn, Anne-Sophie Mutter y Joshua Bell.

El problema mayor con los artistas de hoy en día es el del tiempo. Vivimos en tiempos donde el mercado es soberano y los artistas se ven obligados muchas veces a tocar hasta 120 conciertos al año (esto es uno cada tres días) y no tienen apenas tiempo para asimilar las obras e interiorizarlas. Decían que Horowitz se encarraba dos años cada vez que quería preparar un nuevo programa. Eso hoy en día ya no sucede.

En definitiva la parte expresiva se podría resumir en una conjunción de inteligencia, tiempo e imagen. Quisiera concluir con dos consejos: a la hora de valorar un artista no es fieis de la impresión que os produzca la primera vez que lo oís. Los músicos viajan todos los días, tienen días buenos y malos y eso afecta mucho su rendimiento. Elaborad un juicio firme solo cuando lo hayáis escuchado dos veces por lo menos. Por otra parte, no os fieis de lo que os digan otros por mucho que sepan: más vale una idea propia mala, que una ajena buena.

Para terminar os porpongo un ejercicio. Vamos a escuchar tres versiones del tercer movimiento de la Sonata Waldstein de Beethoven. Me gustaría que me dijéseis cual os gusta más e intentar decir por qué de manera sencilla. Si no queréis contestar en forma de post lo podeis hacer a mi dirección de correo personal:

Claudio Arrau



Emil Gilels



Nelson Freire



En la próxima sesión hablaremos de las orquestas.

François André Danican Philidor

Aunque ustedes no lo sepan, François André Danican Philidor (1726-1795) es uno de los grandes prodigios de la humanidad. Dentro de la Historia de la Música está considerado con Grétry como el creador de la ópera cómica francesa. Óperas suyas como "Tom Jones" o "Le Sorcier" perviven todavía en nuestro repertorio.

Sin ser uno de los grandes genios de la música clásica tiene una particularidad que le hace único: además de escribir 22 óperas cómicas fue el campeón del mundo de ajedrez durante más de veinte años, escribió el primer reglamento moderno del juego y uno de los bestsellers del ajedrez "Tratado del juego del ajedrez". Llegó a popularizar las simultáneas a la ciega (jugar contra varios rivales a la vez con los ojos vendados) y no encontró un rival que pudiera vencerle en toda su vida.

Cómo pudo llegar a hacerse un hueco en la elite en dos disciplinas tan complejas es algo difícil de entender. Hoy en día, un ajedrecista profesional dedica más de seis horas diarias al estudio del juego. Probablemente en aquellos tiempos, la disciplina fuera más relajada y la técnica menos compleja, pero aún así nadie la quita su mérito.

Discografía recomenada

Tom Jones : François-André Danican Philidor / Jean-Claude Malgoire Dynamic, 2006, 2 CD.

Le Sorcier : François-André Danican Philidor / Reinemann, Orliac, Boudier, Bouveret, Mok Reyjal, Orchestre de Rennes, dir. Marc Soustrot Arion, 2003, 2 CD.

Le Bourgeois gentilhomme - Cadmus & Hermione - Noces du village : Jean-Baptiste Lully, François-André Danican Philidor / London Obœ Band, Paul Goodwin, Marie-Ange Petit Harmonia Mundi, 1994, 1 CD.

Philidor : Flute suites ; Pierre Danican Philidor / Kate Clark, Wilbert Hazelzet, Jacques Ogg, Mike Fentross, Globe, 1995, 1 CD.

Marches, fêtes & chasses royales pour Louis XIV : André Philidor dit l’aîné / La simphonie du Marais, Hugo Reyne Virgin, 1994, 1 CD.

¿Sabías que Philidor procedía de una dinastía de músicos bastante conocida en Francia?. Su hermana mayor es también muy famosa porque fundó los Conciertos Espirituales los primeros conciertos públicos de la historia.

¿Sabías que Philidor aprendió a jugar al ajedrez cuando trabajaba en el coro de Luis XV?. Allí los chicos jugaban al ajedrez mientras entre ensayos y conciertos.